Crónicas
Antonio Banderas recibirá la medalla de la Academia española
7-V-04
Aunque hasta ahora todos sus receptores habían brillado en el cine español por encima de todo, la Junta de la Academia de las Artes y la Ciencias Cinematográficas de España ha decidido conceder este 2004 su Medalla de Oro al actor andaluz afincado en EEUU Antonio Banderas, "en reconocimiento a su labor de difusión de la cultura española a lo largo de una fructífera carrera internacional en cine".
Desde 1986, la Academia de Cine viene concediendo este galardón honorífico, a personalidades que durante décadas han contribuido a la mejora industrial o artística del cine Español, y entre ellos estuvieron Fernando Rey, Carlos Saura, Francisco Rabal, Ana Belén, Sara Montiel, Elías Querejeta, Gil Parrondo, José Luis Borau, Fernando Fernán Gómez, o el año pasado Concha Velasco.
Sin haber trabajado con directores españoles desde hace 8 años, Banderas sin embargo sigue estando muy apegado a su tierra tanto en lo sentimental como en lo económico, además de ser una especie de "embajador" en Los Angeles de lo andaluz y español. Trabajador como pocos, amigo del riesgo y acostumbrado a no siempre ganar, Antonio es junto a Penélope Cruz y Almodóvar la imagen del cine español fuera de sus fronteras. Los tres tienen un proyectado pendiente desde hace rato, el "thriller" de origen literario "Tarántula".
Seductor, simpático, y dotado de un gran encanto personal en todos los órdenes, José Antonio Domínguez Banderas nació en Málaga (1959), e inició su carrera con Pedro Almodóvar -principal impulsor de su carrera internacional- en "Laberinto de pasiones" (1982) y con el ha rodado "Matador", "La ley del deseo", "Mujeres al borde de un ataque de nervios" y "¡Átame!", papel con el que obtuvo el reconocimiento de la crítica. Durante su trayectoria española ha trabajado también con: Carlos Saura, Gerardo Vera, Vicente Aranda, Fernando Colomo, Montxo Armendáriz y Fernando Trueba entre otros muchos.
Reside en los Estados Unidos desde 1995, y su andadura norteamericana le ha relacionado intimamente con Robert Rodríguez, su director en "Desperado", "Four Rooms", "Spy Kids 1, 2 y 3" y "El Mexicano". Sin embargo, su mayor éxito comercial se lo dio "La máscara del Zorro", de Martin Campbell, cuya segunda parte está a punto de filmar en México. Otras de sus cintas exportables han sido "Philadelphia", "Entrevista con el vampiro", "Evita" o "Femme Fatale". Al igual que "Pe", es más estrella mediática que actor taquillero. Su más reciente trabajo, "Imagining Argentina", no ha disfrutado del éxito comercial ni crítico.
Banderas debutó como realizador en "Locos en Alabama", posee junto a su esposa Melanie Griffith una activa productora y negocios hosteleros en España. Recientemente ha triunfado en Broadway con el musical "Nine", por el que ha sido candidato al prestigioso premio Tony de teatro.
Aunque hasta ahora todos sus receptores habían brillado en el cine español por encima de todo, la Junta de la Academia de las Artes y la Ciencias Cinematográficas de España ha decidido conceder este 2004 su Medalla de Oro al actor andaluz afincado en EEUU Antonio Banderas, "en reconocimiento a su labor de difusión de la cultura española a lo largo de una fructífera carrera internacional en cine".
Desde 1986, la Academia de Cine viene concediendo este galardón honorífico, a personalidades que durante décadas han contribuido a la mejora industrial o artística del cine Español, y entre ellos estuvieron Fernando Rey, Carlos Saura, Francisco Rabal, Ana Belén, Sara Montiel, Elías Querejeta, Gil Parrondo, José Luis Borau, Fernando Fernán Gómez, o el año pasado Concha Velasco.
Sin haber trabajado con directores españoles desde hace 8 años, Banderas sin embargo sigue estando muy apegado a su tierra tanto en lo sentimental como en lo económico, además de ser una especie de "embajador" en Los Angeles de lo andaluz y español. Trabajador como pocos, amigo del riesgo y acostumbrado a no siempre ganar, Antonio es junto a Penélope Cruz y Almodóvar la imagen del cine español fuera de sus fronteras. Los tres tienen un proyectado pendiente desde hace rato, el "thriller" de origen literario "Tarántula".
Seductor, simpático, y dotado de un gran encanto personal en todos los órdenes, José Antonio Domínguez Banderas nació en Málaga (1959), e inició su carrera con Pedro Almodóvar -principal impulsor de su carrera internacional- en "Laberinto de pasiones" (1982) y con el ha rodado "Matador", "La ley del deseo", "Mujeres al borde de un ataque de nervios" y "¡Átame!", papel con el que obtuvo el reconocimiento de la crítica. Durante su trayectoria española ha trabajado también con: Carlos Saura, Gerardo Vera, Vicente Aranda, Fernando Colomo, Montxo Armendáriz y Fernando Trueba entre otros muchos.
Reside en los Estados Unidos desde 1995, y su andadura norteamericana le ha relacionado intimamente con Robert Rodríguez, su director en "Desperado", "Four Rooms", "Spy Kids 1, 2 y 3" y "El Mexicano". Sin embargo, su mayor éxito comercial se lo dio "La máscara del Zorro", de Martin Campbell, cuya segunda parte está a punto de filmar en México. Otras de sus cintas exportables han sido "Philadelphia", "Entrevista con el vampiro", "Evita" o "Femme Fatale". Al igual que "Pe", es más estrella mediática que actor taquillero. Su más reciente trabajo, "Imagining Argentina", no ha disfrutado del éxito comercial ni crítico.
Banderas debutó como realizador en "Locos en Alabama", posee junto a su esposa Melanie Griffith una activa productora y negocios hosteleros en España. Recientemente ha triunfado en Broadway con el musical "Nine", por el que ha sido candidato al prestigioso premio Tony de teatro.
- © Redacción-NOTICINE.com
Escribe Gracia Querejeta: Ante el estreno de "Hector"
6-V-04
"Héctor", muy cerca de estrenarse. Por fin es una historia que puede proyectarse en la pantalla, con un punto de partida y un desarrollo para cada uno de los personajes de los que se ocupa la película. A lo largo del trabajo de guión, nunca antes - en ninguna de mis tres anteriores películas- había sentido con tanta intensidad eso que muchas veces he oído relatar: en algunas ocasiones, los personajes adquieren vida propia y no queda más remedio que escucharles si queremos que la historia llegue a buen puerto (o quizás debería decir a un puerto natural). Para mi, escribir "Héctor" junto con David Planell ha sido, ante todo, un ejercicio en el que he intentado que los protagonistas se expresasen a su propio ritmo. Y un esfuerzo para dejar a un lado el temor a que no me contasen exactamente lo que yo quería oír.
Quizás todo lo anterior tiene que ver con el hecho de que Héctor, el personaje, llegó a mi de forma imprevista, sin perseguirlo, casi como si él - un chaval de dieciséis años- me buscase: huérfano reciente de madre, en plena adolescencia, sin un padre en el que refugiarse y a cuestas con la imposición de marcharse a vivir con su tía Tere a un barrio en la afueras de la gran ciudad. Este breve punto de partida desató enseguida un montón de preguntas que tardaron tiempo en tener una respuesta: ¿qué acontecimientos o experiencias habían marcado a Héctor?; ¿de qué o cómo había muerto su madre?; ¿por qué su tía tiene que hacerse cargo del chico?; ¿cuáles eran las razones de un padre ausente?...
Presentí desde el principio que debía imponerme una forma de reto que iba a afectar a la estructura del guión y por lo tanto de la película: tratar de contar la historia siempre hacia adelante, sin vueltas atrás, sin flash-backs. ¿Y por qué esa decisión - tan común- se planteaba como un reto?. La primera razón es de orden externo a la propia historia. En mis tres anteriores películas, los flash-backs suponían zonas necesarias para componer el conjunto del relato. Necesitaba, personalmente, huir de una forma de construcción ya utilizada. La segunda razón, la que de verdad hacía de tal opción un reto, está relacionada con uno de los personajes de la historia: Sofía, madre de Héctor, ha muerto cuando se inicia el relato. Pero, sin embargo, es uno de los ejes básicos de la narración. ¿Cómo construir, con todos sus matices, un personaje ausente de la pantalla?, ¿Cómo contar su historia a través del resto de los personajes sin que resultase tedioso?. Confieso que la tentación de recurrir el flash-back estuvo en más de una ocasión a punto de ganar la partida.
Elegimos un barrio colindante a Madrid como escenario principal de la historia. La película podría haber transcurrido en los márgenes de cualquier otra gran ciudad pero Madrid ofrece una luz muy particular que yo quería atrapar para la pantalla. He buscado una película luminosa, diáfana y limpia de imagen porque no creo en esa distinción sesgada entre luz de comedia y luz de drama. Si el intento era narrar una historia pegada a la realidad debíamos dejar que la luz simplemente acompañase a los personajes en su recorrido, sin miedo a que un día limpio y soleado chocase con las oscuras sensaciones que a veces envuelven a los personajes. Y quería una película cálida. En definitiva "Héctor" es una historia que trata de asuntos del corazón.
A comienzos de la escritura de guión tuve un extraño pensamiento que se convirtió en una premonición: Héctor, el chaval de dieciséis años, es como un rayo luminoso que atraviesa fugazmente un territorio. No supe entonces muy bien qué significaba aquello. Pero pensé que si aparecía semejante imagen había que intentar rastrearla. La perseguimos. Y ahora puedo decir que, al menos para mi, ha terminado cobrando todo su sentido dentro de la historia.
Tan cerca de que la película se estrene y se me escape del todo, me parece que siempre recordaré "Héctor" como una suerte de milagro. En eso -y en alguna otra cosa más- conecta con Rylands. Llegó en el momento oportuno para mi como guionista y directora y han sido muchas las dificultades de distinto tipo que hemos tenido que salvar para sacarla adelante. Pero, al final del recorrido, me quedo con la grata sensación de haber aprendido un poco más. Y también, por qué no decirlo -lo mismo que hace 9 años en Oxford- me quedo con una vaga nostalgia de aquellos días en los que todo en "Héctor" estaba por hacer.
"Héctor", muy cerca de estrenarse. Por fin es una historia que puede proyectarse en la pantalla, con un punto de partida y un desarrollo para cada uno de los personajes de los que se ocupa la película. A lo largo del trabajo de guión, nunca antes - en ninguna de mis tres anteriores películas- había sentido con tanta intensidad eso que muchas veces he oído relatar: en algunas ocasiones, los personajes adquieren vida propia y no queda más remedio que escucharles si queremos que la historia llegue a buen puerto (o quizás debería decir a un puerto natural). Para mi, escribir "Héctor" junto con David Planell ha sido, ante todo, un ejercicio en el que he intentado que los protagonistas se expresasen a su propio ritmo. Y un esfuerzo para dejar a un lado el temor a que no me contasen exactamente lo que yo quería oír.
Quizás todo lo anterior tiene que ver con el hecho de que Héctor, el personaje, llegó a mi de forma imprevista, sin perseguirlo, casi como si él - un chaval de dieciséis años- me buscase: huérfano reciente de madre, en plena adolescencia, sin un padre en el que refugiarse y a cuestas con la imposición de marcharse a vivir con su tía Tere a un barrio en la afueras de la gran ciudad. Este breve punto de partida desató enseguida un montón de preguntas que tardaron tiempo en tener una respuesta: ¿qué acontecimientos o experiencias habían marcado a Héctor?; ¿de qué o cómo había muerto su madre?; ¿por qué su tía tiene que hacerse cargo del chico?; ¿cuáles eran las razones de un padre ausente?...
Presentí desde el principio que debía imponerme una forma de reto que iba a afectar a la estructura del guión y por lo tanto de la película: tratar de contar la historia siempre hacia adelante, sin vueltas atrás, sin flash-backs. ¿Y por qué esa decisión - tan común- se planteaba como un reto?. La primera razón es de orden externo a la propia historia. En mis tres anteriores películas, los flash-backs suponían zonas necesarias para componer el conjunto del relato. Necesitaba, personalmente, huir de una forma de construcción ya utilizada. La segunda razón, la que de verdad hacía de tal opción un reto, está relacionada con uno de los personajes de la historia: Sofía, madre de Héctor, ha muerto cuando se inicia el relato. Pero, sin embargo, es uno de los ejes básicos de la narración. ¿Cómo construir, con todos sus matices, un personaje ausente de la pantalla?, ¿Cómo contar su historia a través del resto de los personajes sin que resultase tedioso?. Confieso que la tentación de recurrir el flash-back estuvo en más de una ocasión a punto de ganar la partida.
Elegimos un barrio colindante a Madrid como escenario principal de la historia. La película podría haber transcurrido en los márgenes de cualquier otra gran ciudad pero Madrid ofrece una luz muy particular que yo quería atrapar para la pantalla. He buscado una película luminosa, diáfana y limpia de imagen porque no creo en esa distinción sesgada entre luz de comedia y luz de drama. Si el intento era narrar una historia pegada a la realidad debíamos dejar que la luz simplemente acompañase a los personajes en su recorrido, sin miedo a que un día limpio y soleado chocase con las oscuras sensaciones que a veces envuelven a los personajes. Y quería una película cálida. En definitiva "Héctor" es una historia que trata de asuntos del corazón.
A comienzos de la escritura de guión tuve un extraño pensamiento que se convirtió en una premonición: Héctor, el chaval de dieciséis años, es como un rayo luminoso que atraviesa fugazmente un territorio. No supe entonces muy bien qué significaba aquello. Pero pensé que si aparecía semejante imagen había que intentar rastrearla. La perseguimos. Y ahora puedo decir que, al menos para mi, ha terminado cobrando todo su sentido dentro de la historia.
Tan cerca de que la película se estrene y se me escape del todo, me parece que siempre recordaré "Héctor" como una suerte de milagro. En eso -y en alguna otra cosa más- conecta con Rylands. Llegó en el momento oportuno para mi como guionista y directora y han sido muchas las dificultades de distinto tipo que hemos tenido que salvar para sacarla adelante. Pero, al final del recorrido, me quedo con la grata sensación de haber aprendido un poco más. Y también, por qué no decirlo -lo mismo que hace 9 años en Oxford- me quedo con una vaga nostalgia de aquellos días en los que todo en "Héctor" estaba por hacer.
- © Gracia Querejeta-NOTICINE.com
Misticismo y erotismo se confunden en "La niña santa"
6-V-04
A pocos días de competir por la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes, llega a las salas argentinas "La niña santa", segundo largometraje de Lucrecia Martel, quien sorprendió con su ópera prima "La ciénaga"; y ahora vuelve a deslumbrar con una historia ambientada en el norte argentino, donde descubre sutilmente un relato que navega entre el misticismo y el erotismo.
La acción del film transcurre en un hotel de aguas termales, que acoge un congreso de médicos. Allí vive Helena (Mercedes Morán) y su hermano Freddy (Alejandro Urdapilleta), dueños del lugar. Helena tiene una hija adolescente, Amalia (María Alché) que participa de grupos de reflexión católica en una parroquia junto a su amiga Josefina (Julieta Zylberbger). Allí pasan horas hablando de temas como la vocación religiosa y el llamado de Dios, intentando descubrir cuál es la misión que Dios ha reservado para cada uno en el plan divino. Un día, Amalia es abordada en la calle por un hombre que la roza sexual e intencionalmente.
Ese episodio marcará el inicio de lo que cree Amalia que es su mandato divino. Tras descubrir que él es el Dr. Jano (Carlos Belloso), quien se hospeda en el hotel y se siente atraído por la madre de la chica, Amalia decide guardar el secreto, porque piensa que ese perturbador suceso es la misión divina que tanto esperaba, y que es salvar a Jano de un camino de pecado. A partir de allí se irán enlazando las vidas, los deseos y los secretos de los personajes de este micromundo, hasta que todo estalle.
"La niña santa" es "un cuento sobre el bien y el mal, no sobre el enfrentamiento entre el bien y el mal, sino sobre las dificultades para distinguirlos. Un cuento sobre los peligros del discernimiento entre el bien y el mal", explica Martel sobre su visión de la cinta. Esa disyuntiva entre el bien y el mal se conecta directamente con el tema sexual, especialmente con el despertar sexual de unas jóvenes presas de una sociedad donde la religión todavía ejerce un fuerte poder y mantener relaciones antes del casamiento sigue siendo una cuestión moral, como sucede en ciertos lugares de la Argentina profunda.
Para la directora, oriunda de la norteña provincia de Salta, el tema religioso no sólo es trascendente para el film, sino también para su vida. "Me interesa la religión católica porque es mi religión, donde aprendí una forma de pensar, un sistema de pensamiento que tiene la certeza del sentido de las cosas, del sentido de la existencia. La confianza en un Dios que ha dispuesto todo en forma de plan, donde las cosas están organizadas hacia un fin. Y con esa certeza sus administradores erigen tribunales donde se dirime lo bueno y lo malo", asegura Martel.
Sin embargo lo que más le atrae a la cineasta de la relación con la religión, es cuando las personas son desamparadas por ese Dios en el que creen, que considera que es el tema recurrente de sus largometrajes. "El desamparo no es algo triste si entendemos que se recuperan las riendas de nuestra existencia, también las responsabilidades, como la administración de la justicia. No creo que lo religioso sea un tema resuelto, por suerte, sino se me termina el trabajo".
Martel utiliza la sutileza como su principal recurso para narrar, sugiriendo mucho y mostrando poco, lo cual fuerza al espectador a agudizar su percepción al máximo. "La niña santa" cuenta con la producción de Lita Stantic y la coproducción de El deseo, la compañía de Pedro Almodóvar. Mientras, "La niña santa" se prepara para su andadura internacional, Martel ya trabaja en su próximo proyecto que, por ahora, se llama "La mujer sin cabeza", y contará la historia de una mujer que pierde la memoria.
A pocos días de competir por la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes, llega a las salas argentinas "La niña santa", segundo largometraje de Lucrecia Martel, quien sorprendió con su ópera prima "La ciénaga"; y ahora vuelve a deslumbrar con una historia ambientada en el norte argentino, donde descubre sutilmente un relato que navega entre el misticismo y el erotismo.
La acción del film transcurre en un hotel de aguas termales, que acoge un congreso de médicos. Allí vive Helena (Mercedes Morán) y su hermano Freddy (Alejandro Urdapilleta), dueños del lugar. Helena tiene una hija adolescente, Amalia (María Alché) que participa de grupos de reflexión católica en una parroquia junto a su amiga Josefina (Julieta Zylberbger). Allí pasan horas hablando de temas como la vocación religiosa y el llamado de Dios, intentando descubrir cuál es la misión que Dios ha reservado para cada uno en el plan divino. Un día, Amalia es abordada en la calle por un hombre que la roza sexual e intencionalmente.
Ese episodio marcará el inicio de lo que cree Amalia que es su mandato divino. Tras descubrir que él es el Dr. Jano (Carlos Belloso), quien se hospeda en el hotel y se siente atraído por la madre de la chica, Amalia decide guardar el secreto, porque piensa que ese perturbador suceso es la misión divina que tanto esperaba, y que es salvar a Jano de un camino de pecado. A partir de allí se irán enlazando las vidas, los deseos y los secretos de los personajes de este micromundo, hasta que todo estalle.
"La niña santa" es "un cuento sobre el bien y el mal, no sobre el enfrentamiento entre el bien y el mal, sino sobre las dificultades para distinguirlos. Un cuento sobre los peligros del discernimiento entre el bien y el mal", explica Martel sobre su visión de la cinta. Esa disyuntiva entre el bien y el mal se conecta directamente con el tema sexual, especialmente con el despertar sexual de unas jóvenes presas de una sociedad donde la religión todavía ejerce un fuerte poder y mantener relaciones antes del casamiento sigue siendo una cuestión moral, como sucede en ciertos lugares de la Argentina profunda.
Para la directora, oriunda de la norteña provincia de Salta, el tema religioso no sólo es trascendente para el film, sino también para su vida. "Me interesa la religión católica porque es mi religión, donde aprendí una forma de pensar, un sistema de pensamiento que tiene la certeza del sentido de las cosas, del sentido de la existencia. La confianza en un Dios que ha dispuesto todo en forma de plan, donde las cosas están organizadas hacia un fin. Y con esa certeza sus administradores erigen tribunales donde se dirime lo bueno y lo malo", asegura Martel.
Sin embargo lo que más le atrae a la cineasta de la relación con la religión, es cuando las personas son desamparadas por ese Dios en el que creen, que considera que es el tema recurrente de sus largometrajes. "El desamparo no es algo triste si entendemos que se recuperan las riendas de nuestra existencia, también las responsabilidades, como la administración de la justicia. No creo que lo religioso sea un tema resuelto, por suerte, sino se me termina el trabajo".
Martel utiliza la sutileza como su principal recurso para narrar, sugiriendo mucho y mostrando poco, lo cual fuerza al espectador a agudizar su percepción al máximo. "La niña santa" cuenta con la producción de Lita Stantic y la coproducción de El deseo, la compañía de Pedro Almodóvar. Mientras, "La niña santa" se prepara para su andadura internacional, Martel ya trabaja en su próximo proyecto que, por ahora, se llama "La mujer sin cabeza", y contará la historia de una mujer que pierde la memoria.
- © Cynthia M. García (Argentina)-NOTICINE.com
Greenaway finalizó el rodaje de "Las maletas de Tulse Luper"
6-V-04
Peter Greenaway finalizó recientemente su ambicioso proyecto multimedia, que inició hace dos años atrás con "Las maletas de Tulse Luper", y que ahora acaba de terminarlo con la tercera parte de esta historia, que fue rodada en Cataluña con las actrices Ana Galiena, Ornella Muti y Ana Torrent, y el actor catalán Jordi Mollà.
Precisamente en Barcelona fue donde se inició esta saga el 12 de junio de 2002, que tras casi dos años de rodaje por todo el mundo, de la presentación de las dos primeras partes en la Sección Oficial de los festivales de Cannes y Berlín, y de la película "Episodio: Antwerp" en Toronto y Venecia, llegó a su fin en la misma ciudad.
"Las maletas de Tulse Luper" narra las aventuras, a través de todo el mundo, del artista multidisciplinar y prisionero profesional Tulse Luper. La historia se inicia a partir de las 92 maletas encontradas en diferentes lugares del mundo, que evidencian la vida de Luper desde el año 1928 -cuando se descubrió el Uranio en Colorado- hasta el año 1989 -el final de la Guerra Fría-.
Este es un ambicioso proyecto multimedia que tiene un presupuesto total de 18 millones de euros, que incluye tres largometrajes para estreno en salas, dos largometrajes con un montaje especial para festivales y cines de emisión digital, una web interactiva (www.tulselupernetwork.com), unos cinco libros, 92 DVDs interactivos, un juego multimedia, 16 capítulos de televisión de 30 minutos, y una exposición, que permanecerá en la Fundación Warwickshire (Inglaterra) hasta octubre 2004, para luego trasladarse en 2005 al Walter Gropius Museum de Berlin y al Guggenheim Museum de Bilbao.
Peter Greenaway finalizó recientemente su ambicioso proyecto multimedia, que inició hace dos años atrás con "Las maletas de Tulse Luper", y que ahora acaba de terminarlo con la tercera parte de esta historia, que fue rodada en Cataluña con las actrices Ana Galiena, Ornella Muti y Ana Torrent, y el actor catalán Jordi Mollà.
Precisamente en Barcelona fue donde se inició esta saga el 12 de junio de 2002, que tras casi dos años de rodaje por todo el mundo, de la presentación de las dos primeras partes en la Sección Oficial de los festivales de Cannes y Berlín, y de la película "Episodio: Antwerp" en Toronto y Venecia, llegó a su fin en la misma ciudad.
"Las maletas de Tulse Luper" narra las aventuras, a través de todo el mundo, del artista multidisciplinar y prisionero profesional Tulse Luper. La historia se inicia a partir de las 92 maletas encontradas en diferentes lugares del mundo, que evidencian la vida de Luper desde el año 1928 -cuando se descubrió el Uranio en Colorado- hasta el año 1989 -el final de la Guerra Fría-.
Este es un ambicioso proyecto multimedia que tiene un presupuesto total de 18 millones de euros, que incluye tres largometrajes para estreno en salas, dos largometrajes con un montaje especial para festivales y cines de emisión digital, una web interactiva (www.tulselupernetwork.com), unos cinco libros, 92 DVDs interactivos, un juego multimedia, 16 capítulos de televisión de 30 minutos, y una exposición, que permanecerá en la Fundación Warwickshire (Inglaterra) hasta octubre 2004, para luego trasladarse en 2005 al Walter Gropius Museum de Berlin y al Guggenheim Museum de Bilbao.
- © Redacción-NOTICINE.com
Nuevo cine andaluz: Rodajes de "7 vírgenes" y "Quince días"
6-V-04
El cine andaluz crece numericamente, y nunca mejor dicho, porque están a punto de iniciar su filmación dos cintas en esta región española con cifras en sus títulos: "7 vírgenes", tercer largo de Alberto Rodríguez, y "Quince días", el primero del hasta ahora cortometrajista Jesús Ponce.
El escritor y cineasta andaluz Alberto Rodríguez, codirector de "El factor Pilgrim" (junto a Santi Amodeo) y director de "El traje" presentó este jueves el rodaje de la que será su tercera cinta, "7 vírgenes", que protagonizarán Juan José Ballesta ("El Bola"), Vicente Romero ("Padre Coraje"), Jesús Carroza, Antonio Dechent, Ana Wagener, Manolo Solo y Julián Villagrán.
Como en la comedia agridulce "El traje", Rodríguez sigue su nuevo guión en Sevilla, en donde un adolescente (Ballesta) que, internado en un centro de reforma, vuelve a casa con un permiso de cuarenta y ocho horas para asistir a la boda de su hermano. Más allá de un permiso de cuarenta y ocho horas, la libertad de Tano se convierte en un viaje impuesto hacia la madurez. En el descubrimiento de su soledad y en la necesidad de comenzar una nueva vida.
"7 vírgenes" será una coproducción entre Tesela, la compañía que ya hizo posible "El traje" y de La Zanfoña Producciones.
Por su parte, el guionista y realizador sevillano Jesús Ponce comenzará el próximo 10 de mayo el rodaje de su opera prima, "Quince días", protagonizada por Isabel Ampudia ("La Espalda de Dios", "Los Novios Búlgaros") y Sebastián Haro ("Solas", "Al Sur de Granada", "Un pasión Singular").
La película cuenta la historia de una mujer que sale de la cárcel decidida a rehacer su vida. Parte de cero y como armas contará con un cubo y un trapo para limpiar escaparates. A su lado un antiguo amigo del barrio que vive en la calle le enseñará a sobrevivir.
La filmación se prolongará durante cinco semanas en la provincia de Sevilla, principalmente en las localidades de Tomares y San Juan de Aznalfarache y en la capital. Esta es la primera película de Jesús Ponce un director novel con una larga y fructífera trayectoria en el mundo del corto y de la televisión.
"Quince días" es una producción de la empresa sevillana Jaleo Films, la madrileña Bailando en la Luna y la vasca Bainet.
El cine andaluz crece numericamente, y nunca mejor dicho, porque están a punto de iniciar su filmación dos cintas en esta región española con cifras en sus títulos: "7 vírgenes", tercer largo de Alberto Rodríguez, y "Quince días", el primero del hasta ahora cortometrajista Jesús Ponce.
El escritor y cineasta andaluz Alberto Rodríguez, codirector de "El factor Pilgrim" (junto a Santi Amodeo) y director de "El traje" presentó este jueves el rodaje de la que será su tercera cinta, "7 vírgenes", que protagonizarán Juan José Ballesta ("El Bola"), Vicente Romero ("Padre Coraje"), Jesús Carroza, Antonio Dechent, Ana Wagener, Manolo Solo y Julián Villagrán.
Como en la comedia agridulce "El traje", Rodríguez sigue su nuevo guión en Sevilla, en donde un adolescente (Ballesta) que, internado en un centro de reforma, vuelve a casa con un permiso de cuarenta y ocho horas para asistir a la boda de su hermano. Más allá de un permiso de cuarenta y ocho horas, la libertad de Tano se convierte en un viaje impuesto hacia la madurez. En el descubrimiento de su soledad y en la necesidad de comenzar una nueva vida.
"7 vírgenes" será una coproducción entre Tesela, la compañía que ya hizo posible "El traje" y de La Zanfoña Producciones.
Por su parte, el guionista y realizador sevillano Jesús Ponce comenzará el próximo 10 de mayo el rodaje de su opera prima, "Quince días", protagonizada por Isabel Ampudia ("La Espalda de Dios", "Los Novios Búlgaros") y Sebastián Haro ("Solas", "Al Sur de Granada", "Un pasión Singular").
La película cuenta la historia de una mujer que sale de la cárcel decidida a rehacer su vida. Parte de cero y como armas contará con un cubo y un trapo para limpiar escaparates. A su lado un antiguo amigo del barrio que vive en la calle le enseñará a sobrevivir.
La filmación se prolongará durante cinco semanas en la provincia de Sevilla, principalmente en las localidades de Tomares y San Juan de Aznalfarache y en la capital. Esta es la primera película de Jesús Ponce un director novel con una larga y fructífera trayectoria en el mundo del corto y de la televisión.
"Quince días" es una producción de la empresa sevillana Jaleo Films, la madrileña Bailando en la Luna y la vasca Bainet.
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