Crónicas
Sorpresas en las candidatas argentinas para el Oscar y el Goya
29-IX-06
La Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina ha seleccionado, con cierto grado de sorpresa, a la comedia dramática "Derecho de familia", de Daniel Burman, para representar al país en el premio Oscar, inclinándose por "Las manos", de Alejandro Doria, para los españoles Goyas.
Unos 222 académicos, entre realizadores, actores, productores y otras figuras destacadas de la cinematografía local, tenían derecho a voto para decidir qué película, entre las cerca de 60 elegibles, sería la encargada de representar a la Argentina en el Oscar y el Goya. Partía como favorita "Crónica de una fuga", de Israel Adrián Caetano, la cual se inspiraba en un hecho real, una característica que suele ser considerada un plus en este tipo de eventos.
Pero los académicos no se dejaron influenciar y se inclinaron por la historia costumbrista de "Derecho de familia", centrada en la relación de un joven abogado (Daniel Hendler) con su pequeño hijo y con su propio padre, que fue bien recibida tanto por crítica como público. Dos años atrás, Burman ya había conseguido ser el representante local con "El abrazo partido", otro film que hablaba de la paternidad.
En tanto que para el Goya se optó por "Las manos", un drama que retrata la vida del Padre Mario, un sacerdote que se enfrentó con la Iglesia y las autoridades por poseer el don de la sanación mediante la imposición de las manos. Jorge Marrale y Graciela Borges son los protagonistas de este largometraje, que ha tenido una gran respuesta en la taquilla nacional.
La Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina ha seleccionado, con cierto grado de sorpresa, a la comedia dramática "Derecho de familia", de Daniel Burman, para representar al país en el premio Oscar, inclinándose por "Las manos", de Alejandro Doria, para los españoles Goyas.
Unos 222 académicos, entre realizadores, actores, productores y otras figuras destacadas de la cinematografía local, tenían derecho a voto para decidir qué película, entre las cerca de 60 elegibles, sería la encargada de representar a la Argentina en el Oscar y el Goya. Partía como favorita "Crónica de una fuga", de Israel Adrián Caetano, la cual se inspiraba en un hecho real, una característica que suele ser considerada un plus en este tipo de eventos.
Pero los académicos no se dejaron influenciar y se inclinaron por la historia costumbrista de "Derecho de familia", centrada en la relación de un joven abogado (Daniel Hendler) con su pequeño hijo y con su propio padre, que fue bien recibida tanto por crítica como público. Dos años atrás, Burman ya había conseguido ser el representante local con "El abrazo partido", otro film que hablaba de la paternidad.
En tanto que para el Goya se optó por "Las manos", un drama que retrata la vida del Padre Mario, un sacerdote que se enfrentó con la Iglesia y las autoridades por poseer el don de la sanación mediante la imposición de las manos. Jorge Marrale y Graciela Borges son los protagonistas de este largometraje, que ha tenido una gran respuesta en la taquilla nacional.
- © Redacción (Argentina)-NOTICINE.com
"Volver" fue elegida para representar a España en el Oscar
28-IX-06
Esta vez la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España no ha padecido "miopía" y ha escogido a "Volver", de Pedro Almodóvar, como representante local para la próxima entrega de los premios Oscar, unos galardones que -como sabemos- tiene cierta debilidad por el realizador manchego.
"Volver" se ha impuesto a "Alatriste", de Agustín Díaz Yanes y "Salvador", de Manuel Huerga para convertirse en la candidata española a la categoría de Mejor Película en Lengua extranjera, de la 79 edición de los Oscar que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Almodóvar ya triunfó en este apartado con "Todo sobre mi madre", a lo que añade otra estatuilla dorada por el guión de "Hable con ella", film que en su momento no fue elegido como representante de España (que le mereció además una nominación como mejor director), causando roces entre el clan Almodóvar y la Academia.
No son pocos los que anticipan que el nombre de "Volver" sonará en más de un apartado y no solamente en el destinado para los largometrajes foráneos. Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Toronto, algo así como la puerta de ingreso al mercado norteamericano, los críticos estadounidenses vislumbraron también candidaturas para la película en la categoría máxima y para Penélope Cruz como mejor actriz.
Además de Cruz, la cinta cuenta con un reparto femenino compuesto por Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo y la inigualable Chus Lampreave, quienes se mueven en un terreno reconocidamente almodovariano para narrar la historia de una madre que regresa de la muerte para cerrar cuentas con sus seres queridos.
Las nominaciones a los premios Oscar se conocerán el 23 de enero y se entregarán en su tradicional gala, a realizarse el 25 de febrero en Los Ángeles. "Volver" se estrena el próximo mes en la cartelera de Estados Unidos.
Esta vez la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España no ha padecido "miopía" y ha escogido a "Volver", de Pedro Almodóvar, como representante local para la próxima entrega de los premios Oscar, unos galardones que -como sabemos- tiene cierta debilidad por el realizador manchego.
"Volver" se ha impuesto a "Alatriste", de Agustín Díaz Yanes y "Salvador", de Manuel Huerga para convertirse en la candidata española a la categoría de Mejor Película en Lengua extranjera, de la 79 edición de los Oscar que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Almodóvar ya triunfó en este apartado con "Todo sobre mi madre", a lo que añade otra estatuilla dorada por el guión de "Hable con ella", film que en su momento no fue elegido como representante de España (que le mereció además una nominación como mejor director), causando roces entre el clan Almodóvar y la Academia.
No son pocos los que anticipan que el nombre de "Volver" sonará en más de un apartado y no solamente en el destinado para los largometrajes foráneos. Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Toronto, algo así como la puerta de ingreso al mercado norteamericano, los críticos estadounidenses vislumbraron también candidaturas para la película en la categoría máxima y para Penélope Cruz como mejor actriz.
Además de Cruz, la cinta cuenta con un reparto femenino compuesto por Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo y la inigualable Chus Lampreave, quienes se mueven en un terreno reconocidamente almodovariano para narrar la historia de una madre que regresa de la muerte para cerrar cuentas con sus seres queridos.
Las nominaciones a los premios Oscar se conocerán el 23 de enero y se entregarán en su tradicional gala, a realizarse el 25 de febrero en Los Ángeles. "Volver" se estrena el próximo mes en la cartelera de Estados Unidos.
- © Redacción-NOTICINE.com
El argentino Diego Lerman escribe sobre "Mientras tanto", un colage sobre gente en la búsqueda
28-IX-06
Por Diego Lerman (*)
La idea conceptual de esta película es la de un colage hecho rompecabezas, Varias piezas separadas que unidas conforman un todo. Mientras tanto es la descripción de ese "todo", el cual lo componen la suma de las singularidades. No hay una trama porque no se cuenta "una historia", las tramas funcionan como excusas para describir el "todo", que no es otra cosa que algo tan inabarcable como transmitir "una sensación", "un estado de ánimo", "una moral" o "un mundo". Sin embargo me gusta más pensar al film cómo la "descripción de un territorio", con sus leyes, sus límites, sus habitantes, sus lenguajes, sus virtudes, sus carencias y sus miserias...
"Mientras tanto" aspira a ser entonces la narración de un tiempo. Incierto. Un tiempo de definiciones. Un "Mientras tanto". La idea original fue la de abarcar un tiempo que se basa en la disolución de una pareja: Violeta le pide un tiempo a Mono y ahí comienza el film y cierra justamente cuando Violeta y Mono finalmente deciden la separación. Pero en el medio se narra también de manera paralela situaciones que le ocurren a otros personajes. No hay en esta película una idea de trama, de historia, sino más bien la ausencia de ella. Las tramas no son más que excusas narrativas para describir ese territorio que aborda el film.
Originalmente encaré el trabajo de guión intentando no estar formateado por una demanda narrativa. Mi premisa inicial fue la de contar situaciones de personajes contemporáneos que se entrecruzaban en la ciudad de Buenos Aires, siendo éstos de distintas edades, problemáticas y clases sociales. Había un único denominador común: todos los personajes estaban en una búsqueda, algunas más concretas, otras más abstractas pero todos deseaban, buscaban y accionaban a partir de su deseo cruzándose infinitamente unos con otros. No me preocupé por buscar estructurarla desde un lugar lógico, sino más bien perceptivo.
Por otro lado, quise hacer una película de pequeños elementos, de detalles y repeticiones; cierta idea de "comedia negra de enredos" (por los cruces) en un "mundo desapiado", se trata de historias "desesperadas" en un hábitat un tanto sórdido.
El film, sin embargo, debería poder prescindir de la mirada externa para poder auto-construirse junto con la subjetividad de cada espectador. No debería demandarle nada al espectador en ningún momento, simplemente presentar y desarrollar personajes con vida propia que tengan carnalidad y humanidad. Esta película no cuenta un cuento, intenta abordar otra cosa.
Era fundamental para eso poder transitar un "tono" que despegue al film del crudo realismo y lo conecte a otras esferas, poder extrañar levemente las situaciones "cotidianas" a través del "tono" de los actores, de la puesta en escena y de la banda sonora . A lo largo del rodaje y la post producción mantuve constantemente la búsqueda por el equilibrio de ese "tono" que aleje al film de la idea de costumbrismo y lo lleve a un lugar particular, haciendo foco en lo sensorial y lo subjetivo, sin perder de vista el verosímil.
Promediando la mitad de la película se estructuran las distintas historias hasta llegar al desenlace de cada una de ellas. Pero lo que a mí más me interesaba desarrollar con este film no eran las historias en sí mismas sino la conjunción y yuxtaposición de tramas y personajes. Cierta idea lúdica de colage, cada elemento que aparece se construye como personaje (hasta los más pequeños o como objeto: el tatuaje, el pajaro palillero, los perros, etc), para entrar en el juego repetidas veces en distintas formas, ocupando diferentes lugares: como por ejemplo Tincho que es el ciego misericordioso pero también el perverso acosador. Esa dualidad es constante en todas las construcciones de la película, no hay lugares puros o rígidos.
Incluso pienso que las diferentes tramas actuaron como "excusas" en la creación del guión para desarrollar y llevar a cabo esta idea tal vez más conceptual. La descripción del "todo". Aquel territorio. Un tiempo.
A medida que iba haciendo distintas versiones del guión al inicio, en la primera página, siempre tenía copiado un poema de Roberto Juarroz. No pensaba incluirlo en la película, pero ese poema describía muy sintéticamente lo que yo sentía que debía ser el film:
Nos moriremos todos,
Todos cuantos nos hemos mirado, de frente o de reojo,
Tocado o conversado u olvidado.
Nos moriremos uno a uno, francamente,
De este gran imposible que es la muerte.
También se morirá el color negro de mi perro,
el color blanco de tu voz,
el color hueco de este día.
Y mientras tanto
haremos una cosa u otra cosa,
ya no tan francamente,
¿pero que importa lo que haremos?
Tal vez diera lo mismo
que mi perro tuviese el color blanco,
que tu voz fuera negra
o que este día nos tiñese de dios.
O tal vez no dé lo mismo
Y ahí recién empiece la cuestión.
Finalmente la suma de las tramas entrecruzadas terminan conformando una "maquinaria" narrativa y las historias de los distintos personajes se ganan el protagonismo (¿realmente se lo ganan?).
El film, entonces, es también una historia coral de distintos personajes, de diferentes edades y clases sociales, en momentos de incertidumbre, decisiones y cambios en sus vidas. Todos aparecen en situaciones "desesperadas" por distintos motivos. No es una película dramática o trágica, pero sí existe la descripción de un "mundo sórdido" y un tanto hostil. Aunque por delante siempre está esa tracción vital por seguir, por superar la adversidad que moviliza a los personajes y a la película.
La vitalidad humana por sobreponerse a un entorno adverso, esa especie de acto reflejo como cuando el médico te golpea la rodilla y pateas aunque estés enfermo o desganado.
Descubro ya en la sala de montaje que "Mientras tanto" es la repetida descripción de la lucha encarnizada de estas dos fuerzas contrapuestas, una y otra vez en diferentes motivos, argumentos y personajes a lo largo de todo el film.
(*) Diego Lerman (Buenos Aires, 1976) tuvo un aclamado debut en el mundo del cine con "Tan de repente", film que consiguió diversos premios en festivales como Locarno, La Habana y Huelva. En el año 2002 fue seleccionado por la Cinefondation del Festival de Cannes para hacer la Residence, donde trabajó en la escritura del guión de "Mientras tanto", historia que se concentra en Violeta, quien pide un tiempo a su pareja, y en Eva, quien llega a la ciudad para trabajar como empleada doméstica. Ambas mujeres, a pesar de sus diferencias, están buscando su destino en un entorno de tedio, desesperanza e incertidumbre. El film está protagonizado por un excelente reparto compuesto por María Merlino, Valeria Bertuccelli, Claudio Quinteros y Sergio Boris. Su estreno comercial en la Argentina es este jueves 28 de septiembre.
Por Diego Lerman (*)
La idea conceptual de esta película es la de un colage hecho rompecabezas, Varias piezas separadas que unidas conforman un todo. Mientras tanto es la descripción de ese "todo", el cual lo componen la suma de las singularidades. No hay una trama porque no se cuenta "una historia", las tramas funcionan como excusas para describir el "todo", que no es otra cosa que algo tan inabarcable como transmitir "una sensación", "un estado de ánimo", "una moral" o "un mundo". Sin embargo me gusta más pensar al film cómo la "descripción de un territorio", con sus leyes, sus límites, sus habitantes, sus lenguajes, sus virtudes, sus carencias y sus miserias...
"Mientras tanto" aspira a ser entonces la narración de un tiempo. Incierto. Un tiempo de definiciones. Un "Mientras tanto". La idea original fue la de abarcar un tiempo que se basa en la disolución de una pareja: Violeta le pide un tiempo a Mono y ahí comienza el film y cierra justamente cuando Violeta y Mono finalmente deciden la separación. Pero en el medio se narra también de manera paralela situaciones que le ocurren a otros personajes. No hay en esta película una idea de trama, de historia, sino más bien la ausencia de ella. Las tramas no son más que excusas narrativas para describir ese territorio que aborda el film.
Originalmente encaré el trabajo de guión intentando no estar formateado por una demanda narrativa. Mi premisa inicial fue la de contar situaciones de personajes contemporáneos que se entrecruzaban en la ciudad de Buenos Aires, siendo éstos de distintas edades, problemáticas y clases sociales. Había un único denominador común: todos los personajes estaban en una búsqueda, algunas más concretas, otras más abstractas pero todos deseaban, buscaban y accionaban a partir de su deseo cruzándose infinitamente unos con otros. No me preocupé por buscar estructurarla desde un lugar lógico, sino más bien perceptivo.
Por otro lado, quise hacer una película de pequeños elementos, de detalles y repeticiones; cierta idea de "comedia negra de enredos" (por los cruces) en un "mundo desapiado", se trata de historias "desesperadas" en un hábitat un tanto sórdido.
El film, sin embargo, debería poder prescindir de la mirada externa para poder auto-construirse junto con la subjetividad de cada espectador. No debería demandarle nada al espectador en ningún momento, simplemente presentar y desarrollar personajes con vida propia que tengan carnalidad y humanidad. Esta película no cuenta un cuento, intenta abordar otra cosa.
Era fundamental para eso poder transitar un "tono" que despegue al film del crudo realismo y lo conecte a otras esferas, poder extrañar levemente las situaciones "cotidianas" a través del "tono" de los actores, de la puesta en escena y de la banda sonora . A lo largo del rodaje y la post producción mantuve constantemente la búsqueda por el equilibrio de ese "tono" que aleje al film de la idea de costumbrismo y lo lleve a un lugar particular, haciendo foco en lo sensorial y lo subjetivo, sin perder de vista el verosímil.
Promediando la mitad de la película se estructuran las distintas historias hasta llegar al desenlace de cada una de ellas. Pero lo que a mí más me interesaba desarrollar con este film no eran las historias en sí mismas sino la conjunción y yuxtaposición de tramas y personajes. Cierta idea lúdica de colage, cada elemento que aparece se construye como personaje (hasta los más pequeños o como objeto: el tatuaje, el pajaro palillero, los perros, etc), para entrar en el juego repetidas veces en distintas formas, ocupando diferentes lugares: como por ejemplo Tincho que es el ciego misericordioso pero también el perverso acosador. Esa dualidad es constante en todas las construcciones de la película, no hay lugares puros o rígidos.
Incluso pienso que las diferentes tramas actuaron como "excusas" en la creación del guión para desarrollar y llevar a cabo esta idea tal vez más conceptual. La descripción del "todo". Aquel territorio. Un tiempo.
A medida que iba haciendo distintas versiones del guión al inicio, en la primera página, siempre tenía copiado un poema de Roberto Juarroz. No pensaba incluirlo en la película, pero ese poema describía muy sintéticamente lo que yo sentía que debía ser el film:
Nos moriremos todos,
Todos cuantos nos hemos mirado, de frente o de reojo,
Tocado o conversado u olvidado.
Nos moriremos uno a uno, francamente,
De este gran imposible que es la muerte.
También se morirá el color negro de mi perro,
el color blanco de tu voz,
el color hueco de este día.
Y mientras tanto
haremos una cosa u otra cosa,
ya no tan francamente,
¿pero que importa lo que haremos?
Tal vez diera lo mismo
que mi perro tuviese el color blanco,
que tu voz fuera negra
o que este día nos tiñese de dios.
O tal vez no dé lo mismo
Y ahí recién empiece la cuestión.
Finalmente la suma de las tramas entrecruzadas terminan conformando una "maquinaria" narrativa y las historias de los distintos personajes se ganan el protagonismo (¿realmente se lo ganan?).
El film, entonces, es también una historia coral de distintos personajes, de diferentes edades y clases sociales, en momentos de incertidumbre, decisiones y cambios en sus vidas. Todos aparecen en situaciones "desesperadas" por distintos motivos. No es una película dramática o trágica, pero sí existe la descripción de un "mundo sórdido" y un tanto hostil. Aunque por delante siempre está esa tracción vital por seguir, por superar la adversidad que moviliza a los personajes y a la película.
La vitalidad humana por sobreponerse a un entorno adverso, esa especie de acto reflejo como cuando el médico te golpea la rodilla y pateas aunque estés enfermo o desganado.
Descubro ya en la sala de montaje que "Mientras tanto" es la repetida descripción de la lucha encarnizada de estas dos fuerzas contrapuestas, una y otra vez en diferentes motivos, argumentos y personajes a lo largo de todo el film.
(*) Diego Lerman (Buenos Aires, 1976) tuvo un aclamado debut en el mundo del cine con "Tan de repente", film que consiguió diversos premios en festivales como Locarno, La Habana y Huelva. En el año 2002 fue seleccionado por la Cinefondation del Festival de Cannes para hacer la Residence, donde trabajó en la escritura del guión de "Mientras tanto", historia que se concentra en Violeta, quien pide un tiempo a su pareja, y en Eva, quien llega a la ciudad para trabajar como empleada doméstica. Ambas mujeres, a pesar de sus diferencias, están buscando su destino en un entorno de tedio, desesperanza e incertidumbre. El film está protagonizado por un excelente reparto compuesto por María Merlino, Valeria Bertuccelli, Claudio Quinteros y Sergio Boris. Su estreno comercial en la Argentina es este jueves 28 de septiembre.
- © 791 Cine-NOTICINE.com
Película chilena con Cecilia Roth finalmente llega a las salas
27-IX-06
Lleva varios meses esperando su turno. Diversas vicisitudes le han hecho postergar su estreno, cuando ya está lista hace casi un años, si bien antes fue exhibido en festivales como el de Viña del mar y Sanfic. Pero por fin, "Padre nuestro", el segundo largometraje del realizador chileno Rodrigo Sepúlveda ("El ladrón y su mujer") tiene fecha definitiva de estreno en Chile: el 5 de octubre.
Protagonizada por la actriz argentina Cecilia Roth, junto a Jaime Vadell (mejor actor en el Festival de Valdivia), Amparo Noguera, Luis Gnecco y Francisco Pérez Bannen, la película es un drama entremezclado con comedia y fuertes dosis de humor negro, que parte de una historia fuertemente autobiográfica de su director, para convertirse en un relato profundo, certero y divertido de la familia y la clase media chilena.
La idea de la película surgió cuando a Sepúlveda y sus hermanos se les anunció que su padre estaba en un hospital en Viña del Mar y que posiblemente iba a morir: "Nos subimos en un auto con mis hermanos y una cuñada, y se produjo una situación muy familiar y muy chilena. Todos hablábamos de muchas cosas y no hablábamos de nada". Según Sepúlveda, en ese viaje se produjo un regreso a la infancia: "Nos acordamos de muchas cosas, nos reímos mucho, lloramos un poquito, pero todo esto tenía una cosa divertida, un carácter de comedia. Y cuando volvimos, empecé a escribir".
PURO HUMOR NEGRO
Es ese tono el que se palpa en toda la película. Una suerte de homenaje pero sincero en su crudeza, donde el padre es un vividor, un irresponsable, pero un gran tipo. Una historia retratada con emotividad y humor, en situaciones muy chilenas a partir de la tragicomedia de un hombre de 72 años que encuentra la oportunidad para reencontrarse con su familia cuando está a punto de morir.
"La situación de ir a ver a mi padre era tragicómica", afirma Sepúlveda sobre esta dualidad, que le permitió encontrar el humor dentro de una situación tan dramática. "Se iba a morir y nos trataba de hacer reír y nosotros a él también. Eso es muy chileno. Están los chistes de funerales, siempre se hacen chistes de cosas trágicas. El humor negro es una característica muy nuestra. Además, es una película sobre la clase media, a la cual pertenezco. Y los cineasta chilenos tenemos una deuda con la clase media".
Jaime Vadell es Caco, quien no sorprenderá a los que saben de su potencial, pero saben que aún no se había dado la oportunidad de lucirlo en el cine, salvo en "Tres tristes tigres", de Raúl Ruiz y sólo le habíamos visto asomar por ahí en la mejor escena de "Coronación". Vadell tiene una actuación de lujo, que ganará más de un premio y que sacará frases del tipo: "La actuación que el cine chileno le estaba debiendo".
Caco recibe a sus hijos a punta de tallas, aunque poco a poco van apareciendo tanto los recuerdos que duelen como los que los unen. Según Sepúlveda, es un personaje clásico de la fauna criolla. "Hay uno en todas las familias", dice el director, ese que según un dicho de su propio padre: "Es feo, ladrón y borracho, pero buen muchacho".
FANTASEANDO CON CECILIA ROTH
"Padre nuestro" incluye una galería de personajes bastante realistas y llenos de humanidad, entre los que destacan Coca Guazzini como la amante convertida en su última pareja y Gloria Munchmayer como la regenta de un mítico prostíbulo del puerto, donde trabaja su propia hija (en el film y la vida real), Catalina Guerra. Aunque sin duda, una de las apuestas claves de la película fue tener en su reparto nada menos que a la actriz argentina y musa de Adolfo Aristaráin y Pedro Almodóvar, Cecilia Roth (“Todo sobre mi madre”).
“Originalmente, el papel de esposa del personaje de Luis Gnecco estaba pensado María Izquierdo (“Sexo con amor”, “Mujeres infieles”), pero por diversos motivos, no pudo estar en la cinta. Entonces empecé a dar muchas vueltas, y un referente que tenía era el personaje de Cecilia Roth en “Martín (H)”. Pensé podría ser así, con esa chispa y esa profundidad, y empecé a fantasear. Necesitaba a una actriz que fuera muy extravertida e introvertida a la vez, sin transiciones”, rememora el director sobre la idea de que Roth tomara un rol en su film.
Fue entonces que, según confiesa, “sin conocerla me mandé un gran carril, que fue mandarle el guión a su representante. Él me dijo que no tenía ninguna posibilidad por problemas de agenda, pero que igual le iba a entregar el guión. Dos días después me llama y me dice que lo leyó y que lo quería hacer, pero primero me quería conocer”.
Así, con el elenco perfecto, Sepúlveda pudo llevar a la pantalla esta historia que de tan personal, se convierte en un relato que conmueve e identifica a todo el que tenga conflictos familiares no resueltos. Y también a cualquiera que pueda descubrir esa cosa tan chilena de reírse de la desgracia. De mezclar la risa y el dolor.
“Yo creo que el humor es una forma de mantenernos sanos. Por un lado, es una forma de sanidad, pero también una forma de ocultamiento. A mí lo que me pasó al escribir el guión, era ver qué había detrás de los chistes. Ahí apareció la relación con mi papá, con mis hermanos, lo que nos habíamos dicho y lo que no. La película me sirvió para tener la gran conversación que a todos nos queda pendiente cuando se muere el padre”, sintetiza el realizador.
Previo al estreno oficial de "Padre nuestro", en octubre, Sepúlveda trabaja en el Área Dramática de Canal 13 en una serie de proyectos: la segunda temporada de "Los simuladores", las grabaciones del telefilm sobre Diego Portales que prepara para la serie "Héroes" -que es parte del proyecto Bicentenario del canal- y el desarrollo de una sitcom sobre los personajes de la familia Sa-Sa, aparecidos en la teleserie "Brujas".
Lleva varios meses esperando su turno. Diversas vicisitudes le han hecho postergar su estreno, cuando ya está lista hace casi un años, si bien antes fue exhibido en festivales como el de Viña del mar y Sanfic. Pero por fin, "Padre nuestro", el segundo largometraje del realizador chileno Rodrigo Sepúlveda ("El ladrón y su mujer") tiene fecha definitiva de estreno en Chile: el 5 de octubre.
Protagonizada por la actriz argentina Cecilia Roth, junto a Jaime Vadell (mejor actor en el Festival de Valdivia), Amparo Noguera, Luis Gnecco y Francisco Pérez Bannen, la película es un drama entremezclado con comedia y fuertes dosis de humor negro, que parte de una historia fuertemente autobiográfica de su director, para convertirse en un relato profundo, certero y divertido de la familia y la clase media chilena.
La idea de la película surgió cuando a Sepúlveda y sus hermanos se les anunció que su padre estaba en un hospital en Viña del Mar y que posiblemente iba a morir: "Nos subimos en un auto con mis hermanos y una cuñada, y se produjo una situación muy familiar y muy chilena. Todos hablábamos de muchas cosas y no hablábamos de nada". Según Sepúlveda, en ese viaje se produjo un regreso a la infancia: "Nos acordamos de muchas cosas, nos reímos mucho, lloramos un poquito, pero todo esto tenía una cosa divertida, un carácter de comedia. Y cuando volvimos, empecé a escribir".
PURO HUMOR NEGRO
Es ese tono el que se palpa en toda la película. Una suerte de homenaje pero sincero en su crudeza, donde el padre es un vividor, un irresponsable, pero un gran tipo. Una historia retratada con emotividad y humor, en situaciones muy chilenas a partir de la tragicomedia de un hombre de 72 años que encuentra la oportunidad para reencontrarse con su familia cuando está a punto de morir.
"La situación de ir a ver a mi padre era tragicómica", afirma Sepúlveda sobre esta dualidad, que le permitió encontrar el humor dentro de una situación tan dramática. "Se iba a morir y nos trataba de hacer reír y nosotros a él también. Eso es muy chileno. Están los chistes de funerales, siempre se hacen chistes de cosas trágicas. El humor negro es una característica muy nuestra. Además, es una película sobre la clase media, a la cual pertenezco. Y los cineasta chilenos tenemos una deuda con la clase media".
Jaime Vadell es Caco, quien no sorprenderá a los que saben de su potencial, pero saben que aún no se había dado la oportunidad de lucirlo en el cine, salvo en "Tres tristes tigres", de Raúl Ruiz y sólo le habíamos visto asomar por ahí en la mejor escena de "Coronación". Vadell tiene una actuación de lujo, que ganará más de un premio y que sacará frases del tipo: "La actuación que el cine chileno le estaba debiendo".
Caco recibe a sus hijos a punta de tallas, aunque poco a poco van apareciendo tanto los recuerdos que duelen como los que los unen. Según Sepúlveda, es un personaje clásico de la fauna criolla. "Hay uno en todas las familias", dice el director, ese que según un dicho de su propio padre: "Es feo, ladrón y borracho, pero buen muchacho".
FANTASEANDO CON CECILIA ROTH
"Padre nuestro" incluye una galería de personajes bastante realistas y llenos de humanidad, entre los que destacan Coca Guazzini como la amante convertida en su última pareja y Gloria Munchmayer como la regenta de un mítico prostíbulo del puerto, donde trabaja su propia hija (en el film y la vida real), Catalina Guerra. Aunque sin duda, una de las apuestas claves de la película fue tener en su reparto nada menos que a la actriz argentina y musa de Adolfo Aristaráin y Pedro Almodóvar, Cecilia Roth (“Todo sobre mi madre”).
“Originalmente, el papel de esposa del personaje de Luis Gnecco estaba pensado María Izquierdo (“Sexo con amor”, “Mujeres infieles”), pero por diversos motivos, no pudo estar en la cinta. Entonces empecé a dar muchas vueltas, y un referente que tenía era el personaje de Cecilia Roth en “Martín (H)”. Pensé podría ser así, con esa chispa y esa profundidad, y empecé a fantasear. Necesitaba a una actriz que fuera muy extravertida e introvertida a la vez, sin transiciones”, rememora el director sobre la idea de que Roth tomara un rol en su film.
Fue entonces que, según confiesa, “sin conocerla me mandé un gran carril, que fue mandarle el guión a su representante. Él me dijo que no tenía ninguna posibilidad por problemas de agenda, pero que igual le iba a entregar el guión. Dos días después me llama y me dice que lo leyó y que lo quería hacer, pero primero me quería conocer”.
Así, con el elenco perfecto, Sepúlveda pudo llevar a la pantalla esta historia que de tan personal, se convierte en un relato que conmueve e identifica a todo el que tenga conflictos familiares no resueltos. Y también a cualquiera que pueda descubrir esa cosa tan chilena de reírse de la desgracia. De mezclar la risa y el dolor.
“Yo creo que el humor es una forma de mantenernos sanos. Por un lado, es una forma de sanidad, pero también una forma de ocultamiento. A mí lo que me pasó al escribir el guión, era ver qué había detrás de los chistes. Ahí apareció la relación con mi papá, con mis hermanos, lo que nos habíamos dicho y lo que no. La película me sirvió para tener la gran conversación que a todos nos queda pendiente cuando se muere el padre”, sintetiza el realizador.
Previo al estreno oficial de "Padre nuestro", en octubre, Sepúlveda trabaja en el Área Dramática de Canal 13 en una serie de proyectos: la segunda temporada de "Los simuladores", las grabaciones del telefilm sobre Diego Portales que prepara para la serie "Héroes" -que es parte del proyecto Bicentenario del canal- y el desarrollo de una sitcom sobre los personajes de la familia Sa-Sa, aparecidos en la teleserie "Brujas".
- © Daniel Olave (Chile)-NOTICINE.com
"El laberinto del fauno" y "En el hoyo" son las opciones de México para el Oscar y el Goya
27-IX-06
En nombre de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, Carlos Carrera, Secretario del Comité Coordinador, dio a conocer que de acuerdo a la votación de los integrantes encargados de la selección, "El laberinto del fauno", de Guillermo del Toro, y "En el hoyo", de Juan Carlos Rulfo, serán los representantes de México para la 79 entrega de los premios Oscar y la 21 edición de los Goyas, respectivamente.
"El laberinto del fauno", de Del Toro, una cinta fantástica sobre la Guerra Civil española optará por el Oscar en la categoría de Mejor película en lengua extranjera, que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood; en tanto que el documental sobre los obreros que trabajaron en la construcción del segundo piso del periférico, "En el hoyo", de Rulfo, premiadísimo a nivel internacional en diferentes festivales, hará lo propio en el apartado destinado a la Mejor película extranjera de habla Hispana de los Goyas, que concede la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.
El resultado de la votación emitida por el Comité de Elección se informó al cierre del proceso desarrollado del 18 al 26 de septiembre, en las instalaciones de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, con la participación de los cineastas con derecho a voto, conforme a los reglamentos vigentes. El mismo indicaba que 151 profesionales de la industria iberoamericana podían participar de esta elección.
Otros países que han dado a conocer sus candidatos en las últimas horas son Bélgica ("Someone Else's Happiness", opera prima de Fien Troch), Hungría ("White Palms", drama deportivo de Szabolcs Hajdu que participó en la Quincena de realizadores de Cannes y Karlovy Vary), República Checa ("Sileni", de Jan Svankmajer, sobre un hombre con una vida real y otra onírica) y Polonia ("Z odzysku", cinta sobre un joven dispuesto a todo por conseguir los papeles de residencia para la mujer que ama, que ha dirigido Slawomir Fabicki).
En nombre de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, Carlos Carrera, Secretario del Comité Coordinador, dio a conocer que de acuerdo a la votación de los integrantes encargados de la selección, "El laberinto del fauno", de Guillermo del Toro, y "En el hoyo", de Juan Carlos Rulfo, serán los representantes de México para la 79 entrega de los premios Oscar y la 21 edición de los Goyas, respectivamente.
"El laberinto del fauno", de Del Toro, una cinta fantástica sobre la Guerra Civil española optará por el Oscar en la categoría de Mejor película en lengua extranjera, que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood; en tanto que el documental sobre los obreros que trabajaron en la construcción del segundo piso del periférico, "En el hoyo", de Rulfo, premiadísimo a nivel internacional en diferentes festivales, hará lo propio en el apartado destinado a la Mejor película extranjera de habla Hispana de los Goyas, que concede la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.
El resultado de la votación emitida por el Comité de Elección se informó al cierre del proceso desarrollado del 18 al 26 de septiembre, en las instalaciones de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, con la participación de los cineastas con derecho a voto, conforme a los reglamentos vigentes. El mismo indicaba que 151 profesionales de la industria iberoamericana podían participar de esta elección.
Otros países que han dado a conocer sus candidatos en las últimas horas son Bélgica ("Someone Else's Happiness", opera prima de Fien Troch), Hungría ("White Palms", drama deportivo de Szabolcs Hajdu que participó en la Quincena de realizadores de Cannes y Karlovy Vary), República Checa ("Sileni", de Jan Svankmajer, sobre un hombre con una vida real y otra onírica) y Polonia ("Z odzysku", cinta sobre un joven dispuesto a todo por conseguir los papeles de residencia para la mujer que ama, que ha dirigido Slawomir Fabicki).
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