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31-V-04

Mientras finaliza en la sala Chaplin el primer corte del ciclo "Casi todo Visconti"(que comentaremos cuando, en junio, se complete el mismo), en teatro, un colega suyo moviliza a la Habana y sus visitantes al noveno piso del teatro "Nacional". "Vida y muerte de Pier Paolo Pasolini" es de esas puestas que dejan un sedimento de reflexión y garantía; reflexión en lo que aportan más allá del texto; garantía de notable teatro, de, incluso, hazaña cultural.

Argos Teatro es de las compañías más inquietantes de la escena cubana hoy mismo; empieza por echar el ojo a obras y autores de una fuerza y un poder removedor que los sume en el aquí y ahora contemporáneo (de Bretch y Strindberg a Calderón y Koltés), y termina (empezando de nuevo) con puestas novedosas y originales. Tras el éxito de público y crítica que constituyó "Roberto Zucco", el director Carlos Celdrán lleva al ya imprescindible "aposento alto" que les sirve de sede, la obra "Vida y muerte de Pier Paolo Pasolini", del francés Michel Azama (un exponente de las vanguardias teatrales de mediados del siglo pasado, con temas que siguen siendo de una vigencia alarmante, tales la violencia y los conflictos bélicos).

Este acercamiento a una de las figuras cumbres del cine italiano, fundamentalmente en la década de los 60 y los 70, trasciende las coordenadas existenciales y profesionales del mismo para convertirse en una reflexión sobre los prejuicios de una sociedad puritana e hipócrita, que no resistía a un iconoclasta capaz de remover, con su obra (cine, poesía, novela) y esa otra no escrita o filmada que es la propia vida, los carcomidos cimientos de un país y una época.

Lo primero que me gusta de la letra en "Vida y muerte..." es que, si bien hay una simpatía innegable a esa labor pujante e indomable del artista, tampoco aparece una mirada lastimera o justificadora ciento por ciento: Pasolini, genial en sus reflexiones, fustigador de la falsa moral, auténtico en sus preferencias sexuales, solidario con las clases humildes (militó en el Partido Comunista Italiano, que tuvo a bien expulsarlo) e incluso peculiar mas agudo teólogo, también era extravagante, provocador en lo personal y lo social, hosco, y dueño de una amargura y una hostilidad que lo alejaron de muchos, aún simpatizantes.

Azama (y con él Celdrán) lo sitúan en ese justo medio donde pueden apreciarse los resplandores y las tinieblas de una personalidad tan singular como desconcertante, algo que se aprecia en su cine y su literatura, grande en su conjunto pero desigual. Trece momentos significativos en el avatar de quien legara films como "Accatone" o "Teorema", conforman la pieza: los constantes juicios por sus nuevas producciones, la llegada a Roma con la madre desde provincia, los "ligues" en las calles de la urbe, su conocimiento y convivencia con uno de sus amantes (Ninetto) y, claro, su aún misteriosa y no esclarecida muerte (que la puesta resuelve en su ambigüedad), son algunos de ellos.

Fiel a las coordenadas de una poética que ya se ha asentado, Celdrán procede siguiendo tales presupuestos: no necesita abordar una figura del cine como ésta para que su espacio escénico se torne un verdadero set fílmico; así de dinámica y cambiante, sin tregua a baches ni mutis es la representación; la multiplicidad del escenario, por el accionar de varios focos tópicos, la agilidad en las alternancias narrativas (que incluyen anticipaciones y retrospectivas), convierten a Celdrán en uno de nuestros mejores directores, por lo menos de los que más inventiva exhiben a la hora de poner en escena. Sobre todo porque no hay mínimo de gratuidad ni alarde en tal movimiento, sino que ello emerge de la propia escritura.

Luego, sus eficaces colaboradores en varios rubros (Alain Ortiz en la escenografía , Vladimir Cuenca en el diseño de vestuario...) prolongan a los mismos su espíritu integrador y, a la vez, pródigo en el detalle; esta vez, los contrastes tonales y estructurales en las ropas de los personajes, o los materiales que conforman la escena (virutas de madera, bloques), proyectan la agresividad del contexto. Del propio director, la banda sonora se erige en un correlato esencial. También cuenta Argos Teatro con un equipo altamente valioso en lo que a actuaciones respecta; se sabe lo importante de este elemento en cualquier puesta, pero en las de esta compañía resulta especialmente decisivo, por la complejidad de los personajes de las obras elegidas.

Alexis Díaz de Villega, que ya reveló en anteriores montajes (sobre todo en "La Señorita Julia") su clase como intérprete de primera, aquí simplemente lo confirma: odio, amargura, sarcasmo y rebeldía alternan en una proyección racional y a la vez sensible. José Luis Hidalgo reitera su ductilidad e intensidad, Fidel Betancourt acerca la androginia propia de un amante contradictorio, y en el fondo cariñoso, pero incapaz de seguir a un ser como el protagonista; Caleb Casas da en el clavo tipológica e histriónicamente, pero debe cuidar esa mirada perdida y alienada de la peligrosa estereotipia; Ileana Rodríguez desentona francamente, desde su narradora, con el resto del equipo...

Pero el otro gran laurel debe ir a la cabeza de un actor invitado: Pancho García; sus papeles (siempre representantes de la censura, el orden, la justicia) reciben del integrante de "Hubert de Blanck" una energía, una gracia y un esmero que bordan los matices de los mismos.