Crónicas
El animador Carlos Grangel nos revela los secretos de su trabajo en "La novia cadáver"
18-X-05
¿Quién no conoce al director Tim Burton; quién no ha visto alguna de sus películas; quién no siente admiración, asombro, miedo, desconcierto, maravilla, alegría y sorpresa ante esas historias oscuras, esos personajes desolados, ese lenguaje que mezcla las pesadillas con la realidad, esas técnicas que reflejan el profundo conocimiento y amor que siente este
realizador por su oficio? Su nueva película, "La novia cadáver / El cadáver de la novia", una historia de amor entre vivos y muertos, inspirada en una leyenda rusa, tiene asombrados a todos, no solo por la impecable factura, el humor negro y los escenarios delirantes, sino por la técnica de filmación cuadro a cuadro, o ”stop-motion”, más impactante y creativa que la utilización de los computadores.
¿Qué es la animación cuadro a cuadro?. Burton comenta que, “Era la única apropiada para contar esta historia. Hay algo muy emotivo acerca de este proceso, porque es algo artesanal que uno hace con sus propias manos. Uno puede ver y tocar a estos muñecos y admirar el arte y la belleza con que están hechos. Lo mismo pasa con el set: está todo ahí, frente a uno. Yo siempre trato de que el medio y el proyecto sean uno, que se correspondan uno al otro. Y para esta película en particular quería darle emoción, porque finalmente es una historia de amor. Y esta técnica era la única apropiada…Se basa en que objetos estáticos cobren movimiento. Para ello, se requiere una cámara que registre un cuadro por vez y que permita detener la grabación para mover el objeto y de esta manera continuar con su movimiento. Un pionero en esta técnica fue Willis O’Brien, quien animó al primer “King Kong”. Ejemplos más recientes son las creaciones “Wallace & Gromit”, “Chicken Run: Evasión en la granja / Pollitos en fuga” y por el trabajo que implica, una técnica sólo apta para apasionados”.
Detrás de la creación de estos personajes se encuentra Carlos Grangel, catalán de 42 años, considerado uno de los más originales y creativos artistas vinculados al mundo de Hollywood. Los muñecos elaborados para el rodaje de "La novia cadáver / El cadáver de la novia" fueron diseñados, creados, materializados y logrados por él, trabajando en llave con el director Tim Burton, quien lo considera un auténtico genio. Grangel tiene una sólida carrera como diseñador y creador de personajes inolvidables del cine animado, como el león de “Madagascar” o algunos personajes de “El príncipe de Egipto”, y sobre todo de
“El espantatiburones”, que le han merecido galardones y felicitaciones de los críticos, y su vinculación con Steven Spielberg, los estudios Disney y DreamWorks y otras empresas de Hollywood lo ubican como uno de los más solicitados por los directores y los estudios. Desde los estudios de Warner, en Los Ángeles, Grangel respondió en exclusiva nuestras preguntas.
- ¿Se la pasa volando entre España y América todo el tiempo?
- Claro, porque tengo un pequeño estudio de animación con mi hermano Jordi en Barcelona pero, cuando toca encerrarse como en el caso de “El cadáver” lo hago gustoso.
- Varios años invertidos en este proyecto…
- Burton se tomó más de diez años y, por mi parte, gasté más de tres años desde cuando me reuní con él, intercambiamos ideas, me enseñó el guión, me dijo lo que quería, y comencé a diseñar la apariencia de los muñecos.
- Son muñecos de verdad, filmados cuadro a cuadro…
- Es la stop motion que es una verdadera revolución.
- ¿Cuándo se conoció con Burton?
- En 1996, mientras él trabajaba en la fase final de su película de los marcianos en los estudios Mackinnon & Saunders donde, coincidencialmente, yo finalizaba un cortometraje. Alguien le mostró mis diseños y mis personajes, le gustaron y luego ese corto fue nominado al Oscar.
- ¿Cómo fue el proceso de trabajo entre los dos?
- Me mostró los borradores de los personajes, pronto descubrí que su método de trabajo es diferente al que utilizan otros directores, como Spielberg. Este, por ejemplo, exige muchos bocetos y escoge el que le gusta, en cambio Burton espera que le enseñe uno solo y deja que yo lo escoja porque confía en mí.
- ¿Qué siente de su trabajo con Burton?
- Que el mundo de la animación ha alcanzado otro nivel, que hemos descubierto las texturas de los muñecos, que los filmamos cuadro a cuadro y es como si cobraran una vida que estaba latente bajo la tela, el material y el metal.
- La influencia mexicana es fuerte en los personajes…
- Bueno, mexicana (de José Guadalupe Posada, sobre todo) y también mediterránea, no olvide que soy catalán. Eso se siente en la fisonomía de los personajes.
- Las marionetas o muñecos tienen una vida propia…
- Claro, tienen esqueletos y armaduras y articulaciones que permite a los expertos cambiar sus expresiones y movimientos y actitudes cuando la cámara los filma cuadro a cuadro. Es una vida propia, no hay duda.
- Tienen vida…
- Un objeto inanimado respira bajo la cámara y mi alegría es ver en la pantalla el resultado final de mis diseños y creaciones, convertido en esos muñecos que protagonizan la película de Burton.
- Si le preguntaran cuál es su oficio específico, ¿qué diría?
- Que soy diseñador de personajes.
- Recomienda entonces esta película…
- Hay que verla muchas veces y gozar y asombrarse con el genio y el humor negro de Burton.
¿Quién no conoce al director Tim Burton; quién no ha visto alguna de sus películas; quién no siente admiración, asombro, miedo, desconcierto, maravilla, alegría y sorpresa ante esas historias oscuras, esos personajes desolados, ese lenguaje que mezcla las pesadillas con la realidad, esas técnicas que reflejan el profundo conocimiento y amor que siente este
realizador por su oficio? Su nueva película, "La novia cadáver / El cadáver de la novia", una historia de amor entre vivos y muertos, inspirada en una leyenda rusa, tiene asombrados a todos, no solo por la impecable factura, el humor negro y los escenarios delirantes, sino por la técnica de filmación cuadro a cuadro, o ”stop-motion”, más impactante y creativa que la utilización de los computadores.
¿Qué es la animación cuadro a cuadro?. Burton comenta que, “Era la única apropiada para contar esta historia. Hay algo muy emotivo acerca de este proceso, porque es algo artesanal que uno hace con sus propias manos. Uno puede ver y tocar a estos muñecos y admirar el arte y la belleza con que están hechos. Lo mismo pasa con el set: está todo ahí, frente a uno. Yo siempre trato de que el medio y el proyecto sean uno, que se correspondan uno al otro. Y para esta película en particular quería darle emoción, porque finalmente es una historia de amor. Y esta técnica era la única apropiada…Se basa en que objetos estáticos cobren movimiento. Para ello, se requiere una cámara que registre un cuadro por vez y que permita detener la grabación para mover el objeto y de esta manera continuar con su movimiento. Un pionero en esta técnica fue Willis O’Brien, quien animó al primer “King Kong”. Ejemplos más recientes son las creaciones “Wallace & Gromit”, “Chicken Run: Evasión en la granja / Pollitos en fuga” y por el trabajo que implica, una técnica sólo apta para apasionados”.
Detrás de la creación de estos personajes se encuentra Carlos Grangel, catalán de 42 años, considerado uno de los más originales y creativos artistas vinculados al mundo de Hollywood. Los muñecos elaborados para el rodaje de "La novia cadáver / El cadáver de la novia" fueron diseñados, creados, materializados y logrados por él, trabajando en llave con el director Tim Burton, quien lo considera un auténtico genio. Grangel tiene una sólida carrera como diseñador y creador de personajes inolvidables del cine animado, como el león de “Madagascar” o algunos personajes de “El príncipe de Egipto”, y sobre todo de
“El espantatiburones”, que le han merecido galardones y felicitaciones de los críticos, y su vinculación con Steven Spielberg, los estudios Disney y DreamWorks y otras empresas de Hollywood lo ubican como uno de los más solicitados por los directores y los estudios. Desde los estudios de Warner, en Los Ángeles, Grangel respondió en exclusiva nuestras preguntas.
- ¿Se la pasa volando entre España y América todo el tiempo?
- Claro, porque tengo un pequeño estudio de animación con mi hermano Jordi en Barcelona pero, cuando toca encerrarse como en el caso de “El cadáver” lo hago gustoso.
- Varios años invertidos en este proyecto…
- Burton se tomó más de diez años y, por mi parte, gasté más de tres años desde cuando me reuní con él, intercambiamos ideas, me enseñó el guión, me dijo lo que quería, y comencé a diseñar la apariencia de los muñecos.
- Son muñecos de verdad, filmados cuadro a cuadro…
- Es la stop motion que es una verdadera revolución.
- ¿Cuándo se conoció con Burton?
- En 1996, mientras él trabajaba en la fase final de su película de los marcianos en los estudios Mackinnon & Saunders donde, coincidencialmente, yo finalizaba un cortometraje. Alguien le mostró mis diseños y mis personajes, le gustaron y luego ese corto fue nominado al Oscar.
- ¿Cómo fue el proceso de trabajo entre los dos?
- Me mostró los borradores de los personajes, pronto descubrí que su método de trabajo es diferente al que utilizan otros directores, como Spielberg. Este, por ejemplo, exige muchos bocetos y escoge el que le gusta, en cambio Burton espera que le enseñe uno solo y deja que yo lo escoja porque confía en mí.
- ¿Qué siente de su trabajo con Burton?
- Que el mundo de la animación ha alcanzado otro nivel, que hemos descubierto las texturas de los muñecos, que los filmamos cuadro a cuadro y es como si cobraran una vida que estaba latente bajo la tela, el material y el metal.
- La influencia mexicana es fuerte en los personajes…
- Bueno, mexicana (de José Guadalupe Posada, sobre todo) y también mediterránea, no olvide que soy catalán. Eso se siente en la fisonomía de los personajes.
- Las marionetas o muñecos tienen una vida propia…
- Claro, tienen esqueletos y armaduras y articulaciones que permite a los expertos cambiar sus expresiones y movimientos y actitudes cuando la cámara los filma cuadro a cuadro. Es una vida propia, no hay duda.
- Tienen vida…
- Un objeto inanimado respira bajo la cámara y mi alegría es ver en la pantalla el resultado final de mis diseños y creaciones, convertido en esos muñecos que protagonizan la película de Burton.
- Si le preguntaran cuál es su oficio específico, ¿qué diría?
- Que soy diseñador de personajes.
- Recomienda entonces esta película…
- Hay que verla muchas veces y gozar y asombrarse con el genio y el humor negro de Burton.
- © Alberto Duque López-NOTICINE.com
Comenzó el rodaje de "La educación de las hadas"
18-X-05
José Luis Cuerda inició el último lunes el rodaje de su nuevo largometraje, "La educación de las hadas", film basado en la la novela "La educación de un hada", de Didier Van Cauwelaert, que protagonizan el argentino Ricardo Darín, la francesa Irene Jacob, la cantante Bebe y el niño Víctor Valdivia.
Nicolás (Darín) encuentra a la mujer de su vida y al hijo que él no ha tenido en el avión que los lleva de Alicante a Barcelona. Él es inventor de juguetes. Ella, Ingrid (Jacob), viuda reciente de un capitán de aviación muerto en Iraq, es una ornitóloga que estudia en Cataluña el paso de las palomas torcaces. Raúl (Valdivia) tiene ocho años y es un fantaseador de primer orden. A partir de este encuentro, la historia de amor a tres será perfecta hasta que repentinamente Ingrid decide que todo se ha acabado. Nicolás se desespera y hasta acepta compartirla con otro, pero a ella tal propuesta le resulta un dispara y no está dispuesta a ceder. Allí aparece Sezar (Bebe), una joven argelina que para Nicolás representa la solución a sus problemas. ¿Y si Sezar se convirtiera en un hada que pusiera remedio a tanta confusión, a tanto desorden? Raúl está convencido de poder educarla para que lo consiga.
Cuerda es también el responsable de la adaptación de la obra, lo cual le resultó una tarea apasionante. "La estructura binaria de la novela -un capítulo está narrado en primera persona por Nicolás, el siguiente por Sezar y así secuencialmente- tiene una apariencia razonablemente cartesiana, pero es engañosa. Dentro de cada uno de esos capítulos son constantes los saltos adelante y atrás en sus respectivas historias o en la historia común de Sezar y Nicolás cuando se cruzan la de uno y otro. La lógica irracional y anacrónica de los sentimientos de los personajes -que son los materiales que más le interesan a Van Cauwelaert- le permite al autor recurrir a esta forma narrativa con enorme provecho, haciendo que aflore en cada momento la anécdota, la sensación, el recuerdo, la sospecha, el deseo o, en resumen, la idea o el sentimiento que le resulte más expresivo para comunicar al lector las vidas de Nicolás, de Sezar, de Ingrid, de Raúl..., personajes, todos ellos, que traen a la historia que les une, heridas abiertas".
Esta coproducción internacional que cuenta con Tornasol Films, Finales Felices y Messidor Films por parte española, a lo que se añade la francesa Lazennec, la portuguesa Madragoa Filmes y la argentina Pol-ka Producciones, tiene prevista una filmación que se extenderá a lo largo de nueve semanas, en localizaciones de Barcelona y el Parque Natural de Montseny.
José Luis Cuerda inició el último lunes el rodaje de su nuevo largometraje, "La educación de las hadas", film basado en la la novela "La educación de un hada", de Didier Van Cauwelaert, que protagonizan el argentino Ricardo Darín, la francesa Irene Jacob, la cantante Bebe y el niño Víctor Valdivia.
Nicolás (Darín) encuentra a la mujer de su vida y al hijo que él no ha tenido en el avión que los lleva de Alicante a Barcelona. Él es inventor de juguetes. Ella, Ingrid (Jacob), viuda reciente de un capitán de aviación muerto en Iraq, es una ornitóloga que estudia en Cataluña el paso de las palomas torcaces. Raúl (Valdivia) tiene ocho años y es un fantaseador de primer orden. A partir de este encuentro, la historia de amor a tres será perfecta hasta que repentinamente Ingrid decide que todo se ha acabado. Nicolás se desespera y hasta acepta compartirla con otro, pero a ella tal propuesta le resulta un dispara y no está dispuesta a ceder. Allí aparece Sezar (Bebe), una joven argelina que para Nicolás representa la solución a sus problemas. ¿Y si Sezar se convirtiera en un hada que pusiera remedio a tanta confusión, a tanto desorden? Raúl está convencido de poder educarla para que lo consiga.
Cuerda es también el responsable de la adaptación de la obra, lo cual le resultó una tarea apasionante. "La estructura binaria de la novela -un capítulo está narrado en primera persona por Nicolás, el siguiente por Sezar y así secuencialmente- tiene una apariencia razonablemente cartesiana, pero es engañosa. Dentro de cada uno de esos capítulos son constantes los saltos adelante y atrás en sus respectivas historias o en la historia común de Sezar y Nicolás cuando se cruzan la de uno y otro. La lógica irracional y anacrónica de los sentimientos de los personajes -que son los materiales que más le interesan a Van Cauwelaert- le permite al autor recurrir a esta forma narrativa con enorme provecho, haciendo que aflore en cada momento la anécdota, la sensación, el recuerdo, la sospecha, el deseo o, en resumen, la idea o el sentimiento que le resulte más expresivo para comunicar al lector las vidas de Nicolás, de Sezar, de Ingrid, de Raúl..., personajes, todos ellos, que traen a la historia que les une, heridas abiertas".
Esta coproducción internacional que cuenta con Tornasol Films, Finales Felices y Messidor Films por parte española, a lo que se añade la francesa Lazennec, la portuguesa Madragoa Filmes y la argentina Pol-ka Producciones, tiene prevista una filmación que se extenderá a lo largo de nueve semanas, en localizaciones de Barcelona y el Parque Natural de Montseny.
- © Redacción-NOTICINE.com
Director y productor de "Rosario Tijeras" planean sus próximos proyectos
17-X-05
Convertida en un suceso en Colombia y con su carrera internacional apenas comenzando, aún queda mucha tela por cortar con "Rosario Tijeras", sin embargo su realizador Emilio Maillé y su productor Matthias Ehrenberg ya están dando forma a sus próximos proyectos cinematográficos.
Maillé dejó México en 1989, cuando tenía 17 años, para irse a vivir a Francia. Luego dirigió documentales, varios de ellos relacionados al mundo de los toros. Después vino la oportunidad de realizar "Rosario Tijeras", la cinta que tuvo un gran éxito en Colombia y que lo trajo de regreso a México para la promoción en el Festival de Morelia. Ahora planea hacer una nueva producción en su país natal, cuyo tema principal será "la muerte", "pero no bajo una manera violenta". Como lo ha hecho en sus anteriores trabajos no utilizaría una estructura lineal, la historia se contaría con el tiempo fragmentado. El personaje principal tiene la misma edad ahora y 40 años atrás, "entonces es un viaje en el tiempo con música", añade Maillé.
Por su parte, Ehrenberg ya tiene planes para otros proyectos. Aunque llegó a estar harto por las condiciones de filmar en México mantiene la fe y sigue trabajando, buscando fórmulas nuevas de esquemas de producción, algo que lo ha caracterizado en México. Volverá a trabajar con el productor Gustavo Ángel, la exitosa mancuerna que hizo posible la adaptación cinematográfica de "Rosario Tijeras". Está en el proceso de financiamiento de un proyecto que lleva el título tentativo "Reyli, el asesino", una coproducción con esquema internacional de fondos de inversión: España, Argentina, Inglaterra y México. Espera que Daniel Gruener termine su película "Muerte en domingo" para ver si finalmente se hará "Frankestein", en la que quizá sería la última oportunidad para hacerla.
Convertida en un suceso en Colombia y con su carrera internacional apenas comenzando, aún queda mucha tela por cortar con "Rosario Tijeras", sin embargo su realizador Emilio Maillé y su productor Matthias Ehrenberg ya están dando forma a sus próximos proyectos cinematográficos.
Maillé dejó México en 1989, cuando tenía 17 años, para irse a vivir a Francia. Luego dirigió documentales, varios de ellos relacionados al mundo de los toros. Después vino la oportunidad de realizar "Rosario Tijeras", la cinta que tuvo un gran éxito en Colombia y que lo trajo de regreso a México para la promoción en el Festival de Morelia. Ahora planea hacer una nueva producción en su país natal, cuyo tema principal será "la muerte", "pero no bajo una manera violenta". Como lo ha hecho en sus anteriores trabajos no utilizaría una estructura lineal, la historia se contaría con el tiempo fragmentado. El personaje principal tiene la misma edad ahora y 40 años atrás, "entonces es un viaje en el tiempo con música", añade Maillé.
Por su parte, Ehrenberg ya tiene planes para otros proyectos. Aunque llegó a estar harto por las condiciones de filmar en México mantiene la fe y sigue trabajando, buscando fórmulas nuevas de esquemas de producción, algo que lo ha caracterizado en México. Volverá a trabajar con el productor Gustavo Ángel, la exitosa mancuerna que hizo posible la adaptación cinematográfica de "Rosario Tijeras". Está en el proceso de financiamiento de un proyecto que lleva el título tentativo "Reyli, el asesino", una coproducción con esquema internacional de fondos de inversión: España, Argentina, Inglaterra y México. Espera que Daniel Gruener termine su película "Muerte en domingo" para ver si finalmente se hará "Frankestein", en la que quizá sería la última oportunidad para hacerla.
- © Víctor Uribe-NOTICINE.com
El ecuatoriano Sebastián Cordero dirigirá a Harrison Ford
17-X-05
El realizador ecuatoriano Sebastián Cordero, director de "Ratas, ratones, rateros" y "Crónicas", debutará en el cine en inglés con "Manhunt", una cinta histórica que protagonizará Harrison Ford y narrará los doce días que llevó capturar al asesino de Abraham Lincoln.
Basado en el libro "Manhunt: The 12-Day Chase For Lincoln's Killer", "Manhunt" es una película que se enmarca dentro del género del thriller y se ambienta en 1865. La trama seguirá los momentos posteriores al asesinato de Lincoln, cuando se le encomienda la misión al héroe de la guerra civil, Everton Conger (Ford), de encontrar a John Wilkes Booth.
Puede resultar sorprendente la elección de Cordero para la dirección de este largometraje de gran presupuesto, por ser un desconocido en la industria estadounidense, pero las similitudes entre la historia de este proyecto y su reciente "Crónicas" pueden explicar que tamaña responsabilidad recayera en este ecuatoriano de 33 años.
Al igual que "Manhunt", "Crónicas", que protagonizaron John Leguizamo y Leonor Watling, centraba su acción en una persecución, en la investigación que inicia un periodista determinado a conseguir la crónica de su vida al intentar rastrear a un asesino en serie.
El realizador ecuatoriano Sebastián Cordero, director de "Ratas, ratones, rateros" y "Crónicas", debutará en el cine en inglés con "Manhunt", una cinta histórica que protagonizará Harrison Ford y narrará los doce días que llevó capturar al asesino de Abraham Lincoln.
Basado en el libro "Manhunt: The 12-Day Chase For Lincoln's Killer", "Manhunt" es una película que se enmarca dentro del género del thriller y se ambienta en 1865. La trama seguirá los momentos posteriores al asesinato de Lincoln, cuando se le encomienda la misión al héroe de la guerra civil, Everton Conger (Ford), de encontrar a John Wilkes Booth.
Puede resultar sorprendente la elección de Cordero para la dirección de este largometraje de gran presupuesto, por ser un desconocido en la industria estadounidense, pero las similitudes entre la historia de este proyecto y su reciente "Crónicas" pueden explicar que tamaña responsabilidad recayera en este ecuatoriano de 33 años.
Al igual que "Manhunt", "Crónicas", que protagonizaron John Leguizamo y Leonor Watling, centraba su acción en una persecución, en la investigación que inicia un periodista determinado a conseguir la crónica de su vida al intentar rastrear a un asesino en serie.
- © Redacción-NOTICINE.com
Asia contemporánea en La Habana
14-X-05
Uno de esos buenos ciclos que con tanta frecuencia pueden apreciarse en la sala Chaplin de la Cinemateca, nació como un saludo a Cine Plaza 2005, pero como ese evento “saludado”, resulta cada año (y esta fue su 22 edición ), más despersonalizado y ajeno a los intereses del público, el ciclo de marras debe saludarse en sí mismo, porque de entrada no necesitaba ningún pretexto para echar a andar, como otros tantos que allí mensualmente nos actualizan o retroalimentan (a veces ambas cosas) sobre lo más importante del cine universal. Este, “Grandes directores contemporáneos del Asia Suroriental”, nos está dando la oportunidad de acercarnos a valiosos nombres de esa región...cada vez que los “apagones”, bastante disminuidos en los últimos tiempos (y ahora renovados por no sé que nueva ruptura) lo permiten.
Del japonés Takeshi Kitano, por ejemplo, vimos la notable “Zatoichi” (2003), sobrestimada a mi juicio (con varios premios en Marrakech, Toronto, Venecia...) pero, de cualquier manera, interesante en su diseño de personajes, su reconstrucción de época y ambiente y actuaciones (el director encarna también el protagonista), con un singular bailable en las escenas finales. En Cuba fue muy popular en los años 70 la zaga del masajista Ichi en versión china, con Shintaro Katsu como intérprete, era mucho más ingenua y hasta banal, aunque ésta me resultó un tanto plana en su diégesis.
Del célebre hongkonés Johnnie To Kei Fung (asistido esta vez en la dirección por Ka-Fai Wai) vimos, inaugurando oficialmente el ciclo, “Asesino a tiempo completo”: dos asesinos se enfrentan, se (des)encuentran y una mujer, que hace la limpieza de uno de ellos, comienza a ver a ambos. Duelos no sólo literales, sino de caracteres, indagación en las complejas sicopatías de los personajes, la obra se torna un tanto dispersa y cargada de episodios que no siempre se engarzan coherentemente, pero
aún así resultó sugestiva, atractiva.
Mejor film y mejores efectos visuales en el Festival de Sitges; mejor película asiática en el Festival Fant-Asia, “El Aro”, de 1998 (seguida por la segunda parte, un año después), del no menos prestigioso japonés Hideo Nakata, resultó no sólo técnicamente superior al remake hollywoodense, consenso de toda la sala que ya conocía, de antes, la versión yanqui: cine de terror del bueno, simplemente.
Pese a estar subtituladas al inglés, nadie pudo perderse las muestras de uno de los grandes en el cine asiático hoy: el coreano Kim Ki-duk. Mezcla de misticismo, ontología, ecología, policíaco pero sobre todo, gran conocimiento del alma humana, con otras combinaciones excepcionales (esta vez en sus recursos tecno-expresivos) trajeron sus títulos “La isla” y “Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera”, tan (justamente) multipremiadas en los más diversos sitios.
Cambia el tono con el chino Zhou Sun y su “Tren a la poesía”, porque esta vez es el lirismo que sigue a una joven enamorada de un poeta (¿de sus poemas o del hombre que los hace?, se cuestiona su amado) que también comparte con un hombre diametralmente opuesto en su proyección humana: un veterinario pragmático y “con los pies en la tierra”, aunque no le falte ternura y dedicación. La cinta reflexiona sobre el papel de la poesía en la vida con sumo cuidado y gran delicadeza, para lo cual la fotografía y la música, junto a las notable actuaciones, desempeñan un papel decisivo; sobre todo, cuestiona hasta qué punto ser romántico y sensible, sobre todo en exceso, conduce a la felicidad y la realización personal. A veces excesiva en su búsqueda e implantación del lirismo perseguido, pero igual tierna y profunda.
“Zhang Yang: crónicas de la nueva China” se titula el acápite con ese realizador que en estos momentos se encuentra en el proceso de posproducción de su nueva cinta, “Girasol”(2005), coproducción chino-holandesa con la actriz Joan Chen. De sus dos títulos programados, “Quitting” (2001) resulta muy original por cuanto las personas que vivieron los hechos a que se refiere la cinta interpretan estos mismos personajes en torno al joven actor de cine, TV y teatro Jia Hongsheng: su familia y amigos, su adicción a las drogas y consecuencias...el método es en realidad válido, la incorporación del cine-encuesta y del “teatro filmado” enriquecen la diégesis, pero llega un momento también que la afectan ante el intento reiterado y desmedido del director por revelar los mismos, hacerlos explícitos ante el espectador, aterrizando entonces en molestas e innecesarias reiteraciones y dilaciones. Más sencilla, “La ducha”(1999), resulta una bien encauzada cinta “de personajes”, eficazmente diseñados y resueltos dramatúrgicamente dentro un contexto representativo de la China contemporánea: los baños públicos.
Uno de esos buenos ciclos que con tanta frecuencia pueden apreciarse en la sala Chaplin de la Cinemateca, nació como un saludo a Cine Plaza 2005, pero como ese evento “saludado”, resulta cada año (y esta fue su 22 edición ), más despersonalizado y ajeno a los intereses del público, el ciclo de marras debe saludarse en sí mismo, porque de entrada no necesitaba ningún pretexto para echar a andar, como otros tantos que allí mensualmente nos actualizan o retroalimentan (a veces ambas cosas) sobre lo más importante del cine universal. Este, “Grandes directores contemporáneos del Asia Suroriental”, nos está dando la oportunidad de acercarnos a valiosos nombres de esa región...cada vez que los “apagones”, bastante disminuidos en los últimos tiempos (y ahora renovados por no sé que nueva ruptura) lo permiten.
Del japonés Takeshi Kitano, por ejemplo, vimos la notable “Zatoichi” (2003), sobrestimada a mi juicio (con varios premios en Marrakech, Toronto, Venecia...) pero, de cualquier manera, interesante en su diseño de personajes, su reconstrucción de época y ambiente y actuaciones (el director encarna también el protagonista), con un singular bailable en las escenas finales. En Cuba fue muy popular en los años 70 la zaga del masajista Ichi en versión china, con Shintaro Katsu como intérprete, era mucho más ingenua y hasta banal, aunque ésta me resultó un tanto plana en su diégesis.
Del célebre hongkonés Johnnie To Kei Fung (asistido esta vez en la dirección por Ka-Fai Wai) vimos, inaugurando oficialmente el ciclo, “Asesino a tiempo completo”: dos asesinos se enfrentan, se (des)encuentran y una mujer, que hace la limpieza de uno de ellos, comienza a ver a ambos. Duelos no sólo literales, sino de caracteres, indagación en las complejas sicopatías de los personajes, la obra se torna un tanto dispersa y cargada de episodios que no siempre se engarzan coherentemente, pero
aún así resultó sugestiva, atractiva.
Mejor film y mejores efectos visuales en el Festival de Sitges; mejor película asiática en el Festival Fant-Asia, “El Aro”, de 1998 (seguida por la segunda parte, un año después), del no menos prestigioso japonés Hideo Nakata, resultó no sólo técnicamente superior al remake hollywoodense, consenso de toda la sala que ya conocía, de antes, la versión yanqui: cine de terror del bueno, simplemente.
Pese a estar subtituladas al inglés, nadie pudo perderse las muestras de uno de los grandes en el cine asiático hoy: el coreano Kim Ki-duk. Mezcla de misticismo, ontología, ecología, policíaco pero sobre todo, gran conocimiento del alma humana, con otras combinaciones excepcionales (esta vez en sus recursos tecno-expresivos) trajeron sus títulos “La isla” y “Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera”, tan (justamente) multipremiadas en los más diversos sitios.
Cambia el tono con el chino Zhou Sun y su “Tren a la poesía”, porque esta vez es el lirismo que sigue a una joven enamorada de un poeta (¿de sus poemas o del hombre que los hace?, se cuestiona su amado) que también comparte con un hombre diametralmente opuesto en su proyección humana: un veterinario pragmático y “con los pies en la tierra”, aunque no le falte ternura y dedicación. La cinta reflexiona sobre el papel de la poesía en la vida con sumo cuidado y gran delicadeza, para lo cual la fotografía y la música, junto a las notable actuaciones, desempeñan un papel decisivo; sobre todo, cuestiona hasta qué punto ser romántico y sensible, sobre todo en exceso, conduce a la felicidad y la realización personal. A veces excesiva en su búsqueda e implantación del lirismo perseguido, pero igual tierna y profunda.
“Zhang Yang: crónicas de la nueva China” se titula el acápite con ese realizador que en estos momentos se encuentra en el proceso de posproducción de su nueva cinta, “Girasol”(2005), coproducción chino-holandesa con la actriz Joan Chen. De sus dos títulos programados, “Quitting” (2001) resulta muy original por cuanto las personas que vivieron los hechos a que se refiere la cinta interpretan estos mismos personajes en torno al joven actor de cine, TV y teatro Jia Hongsheng: su familia y amigos, su adicción a las drogas y consecuencias...el método es en realidad válido, la incorporación del cine-encuesta y del “teatro filmado” enriquecen la diégesis, pero llega un momento también que la afectan ante el intento reiterado y desmedido del director por revelar los mismos, hacerlos explícitos ante el espectador, aterrizando entonces en molestas e innecesarias reiteraciones y dilaciones. Más sencilla, “La ducha”(1999), resulta una bien encauzada cinta “de personajes”, eficazmente diseñados y resueltos dramatúrgicamente dentro un contexto representativo de la China contemporánea: los baños públicos.
- © Frank Padrón (Cuba)-NOTICINE.com