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8-II-02

Por Angel L. Esteban

Normalmente cuando un solo intérprete se encuentra nominado en dos categorías diferentes dentro de una misma convocatoria de premios cinematográficos, de los que se celebran en los primeros meses de cada año en todos los rincones del mundo, suele ocurrir que por el reparto de votos e intenciones se acabe quedando sin ninguno de los dos. Les ha ocurrido a muchos. En esta edición de los Premios Goya sin embargo se ha producido una doble excepción, por un lado la sorprendente Paz Vega, que se hizo con el galardón a la mejor actriz revelación del cine español en 2001 por su papel en "Lucía y el sexo" aunque también estaba reconocida por su duro persoinaje de "Sólo mía"; y por otro lado, el carismático Eduard Fernández, que también fue destacado por el mafioso constructor de "Son de mar", ha sido finalmente reconocido como mejor actor, así sin apelativos, por su trabajo en "Fausto 5.0".

El caso de Eduard Fernández es especialmente notorio porque hace apenas tres años era un absoluto desconocido, un actor de formación teatral, que encontró su primera gran oportunidad cinematográfica de la mano de Mariano Barroso en ese retrato del paro y la desesperación que es "Los perros de Washington". Allí tuvo ocasión de dar rienda suelta a su talento para demostrar fuerza, presencia y sensibilidad al lado de pesos pesados de la pantalla como Pepe Sancho o Javier Bardem, con quien compartió protagonismo y estableció una amistad basada en la admiración mutua. El perro callejero con rostro humano al que dio vida en aquella ocasión le valió su primer reconocimiento por parte de los Goya como mejor actor revelación.

Nacido en Barcelona en 1964, Eduard Fernández es uno de esos intérpretes llamados de raza, de aquellos en los que se vislumbra, detrás de cada gesto, mirada y palabra, cada una de las tablas escénicas que ha pisado. Es de esos actores que presta generosamente su carisma a los protagonistas desde personajes de reparto, capaz de llenar con recursos propios los huecos del guión, con capacidad para lucirse con especial brillantez desde un segundo plano, engrandeciendo con su sobriedad y entrega la película en la que trabaja.

La cuna de Eduard Fernández como actor está en el Teatre Lliue, aunque también ha crecido al lado de Albert Boadella durante cuatro años en el Els Joglars. Pero es en el Lliure, después de haber trabajado como mimo en bares, bodas y bautizos, donde mejor ha podido desarrollarse, con intervenciones tan notables como la de "Roberto Zucco" de Bernard-Marie Koltès a las órdenes de Lluis Pasqual. A sus orígenes precisamente ha regresado recientemente con motivo del nuevo Teatre Lliure, donde ha estado trabajando a primeros de año en la obra "Suzuki I y II" de Alexei Xipenko, que estrenó en Barcelona el mismo día en que tuvo noticia de la doble nominación a los premios del cine español.

Sucesivos papeles en "Zapping" de Juan Manuel Chumilla y en "El portero" de Gonzalo Suárez le condujeron a su primer protagonista, el arriesgado Charli de "La voz de su amo" de Emilio Martínez-Lázaro, que le valió excelentes críticas y que le confirman como actor arriesgado, interesado en recrearse en los personajes más turbios, sufridores y peligrosos. Así es Sierra en "Son de mar" de Bigas Luna, verdugo del amor ingenuo y mediterráneo de Leonor Watling y Jordi Mollá, y así es también Santos, el moderno Mefistófeles de "Fausto 5.0", atractivo torturador de Miguel Ángel Solá en la versión cinematográfica del montaje teatral de La Fura Dels Baus.

Siete películas y dos premios Goya en tres años resumen la espectacular y prometedora carrera de Eduard Fernández, que piensa seguir alternando los escenarios con los platós, admirador de Marlon Brando y, como él, heredero de la escuela del método; un intérprete, como le describió el director teatral Lluis Pasqual, "que no parece un actor". Tal vez Fernando Trueba piense lo mismo, al haberle incluido en el reparto de su esperada nueva película, "El embrujo de Shangai".

7-II-02

El realizador catalán Ventura Pons ha presentado "Manjar de amor", que se estrena este viernes en los cines españoles y al día siguiente se presenta en la sección Panorama de la Berlinale. Pons es un veterano del certamen alemán y un caso único, ya que es su quinto trabajo consecutivo que se proyecta en el apartado informativo berlinés. Mientras se declara nuevamente ilusionado por participar en el banquete del certamen germano - "Cada vez me produce más emoción"-, el autor de "Anita no pierde el tren" asegura que su nuevo trabajo es mucho más que la historia de una relación homsexual: "Me importa un rábano cómo definen la película. Si la califican de "gay" se perderán muchas cosas, ya que es una historia de personajes en lucha. Tenemos que intentar romper la ola de la moralina y encontrar nuestro sitio".

"Manjar de amor" se inicia cuando Paul, un joven y talentoso estudiante de música, es contratado en San Francisco para pasar las páginas de la partitura en un concierto de Richard Kennington, uno de los pianistas más famosos del mundo. Extremadamente atractivo, Paul no pasa desapercibido para Kennington y su agente Mansourian, dos homosexuales en la cima de sus respectivas carreras. Kennington y Paul vuelven a encontrarse en Barcelona, donde el joven está de vacaciones con su madre, Pamela, que intenta olvidar el trastorno producido por el abandono de su marido. Paul y Kennington se enamoran, pero este amor tiene implicaciones muy distintas para los dos hombres. Kennington regresa a su casa precipitadamente, huyendo de un mayor compromiso en la relación. Al mismo tiempo, Pamela empieza a recuperarse y a ganar la confianza perdida mientras se da cuenta de que Paul ha dejado de ser un niño. A su regreso a los Estados Unidos, Paul descubre que su carrera no se desarrollará como hubiera deseado, sencillamente porque no tiene suficiente talento para ser concertista y se deja llevar por la vida cómoda de Nueva York. Pamela luchará por el futuro su hijo y la experiencia vivida servirá a madre e hijo para aprender a construir una relación más profunda.

Protagonizada por una mayoría de actores británicos, encabezados por Kevin Bishop, Paul Rhys, Juliet Stevenson y Allan Corduner, "Manjar de amor" (Food for love) es la primera realización de Ventura Pons en inglés, y su irrupción en el cine internacional (está coproducida por España, Gran Bretaña, Alemania y EEUU). Se basa en una novela de David Leavitt, "Junto al pianista", que en su primera lectura le pareció al director barcelonés "muy cinematográfica", por tratar no de un único tema, sino de varios "y muy potentes", según su realizador. Este asegura que el trabajo del norteamericano Leavitt le inspiró muchas preguntas: "¿Por qué la gente no puede tener lo que quiere? ¿Cuáles son los resultados de la falta de educación sentimental para los jóvenes homosexuales en el mundo occidental? ¿Es realmente tan fácil que la vida te corrompa si no estás en guardia? ¿Es honesto no luchar duro con el fin de conseguir la realización personal? ¿Cuál es el precio y qué sentido tiene la coherencia personal en una sociedad como la nuestra?"

Considera además Pons que este relato posee una gran originalidad, ya que se sitúa "más allá del contexto "gay" y norteamericano en el que se sitúa, configurando un microcosmos, al mismo tiempo trágico y cómico, intenso y ligero, diáfano y complejo, culto y naíf, maduro y tierno pero, por encima de todo, conmovedoramente universal". Otras películas anteriores del mismo director con relaciones homosexuales en el argumento son "Ocaña, retrato intermitente", "Caricies", o "Amigo, amado".

6-II-02

El cineasta Barbet Schroeder ha visitado México para promocionar "La Virgen de los Sicarios", cinta que dirigió en el año 2000, adaptación de la novela homónima escrita por el novelista y también cineasta colombiano radicado en el país del tequila, Fernando Vallejo, bajo un guión del propio Vallejo. En la Cineteca Nacional, ambos realizadores hablaron sobre su película en una conferencia definida por la sagacidad y el fino sentido del humor que los caracteriza.

Rodada en Colombia "La Virgen de los sicarios", historia con tintes autobiográficos, narra la relación amorosa entre un escritor homosexual, todavía cuarentón y un joven sicario, quien no rebasa los 16 años, enmarcada en la agresiva y peligrosa ciudad colombiana, regida por el narcotráfico, Medellín.

Schroeder quien en su niñez vivió algunos años en Colombia y cuya filmografía se distingue por la diversidad de temas, idiomas y géneros -"Barfly" (1987), "El misterio Von Bulow" (1990), "Mujer blanca soltera busca" (1992), entre otras- expresó en fluido español, lo satisfecho que se encontraba con esta realización de corte intimista, en la que había sido el único extranjero: " Me gusto mucho hacer una película casi 100% colombiana, en este caso de la región de Antioquia. Creo que el cine se fortalece cuando trata un tema específico. Fue una gran suerte que todos los actores fueran antioqueños. La diferencia fundamental fue que esta es la primera película grabada en Video Digital de Alta Definición. George Lucas utilizó este formato después, con la última entrega de "La Guerra de las Galaxias", aún sin estrenar".

Sobre el tratamiento que el cineasta dió a la historia, Fernando Vallejo comentó: "la cinta me gusta mucho, además del gran talento y oficio de Barbet y la sensibilidad para captar realidades ajenas a él... porque a Barbet no le gustan los muchachos como a mí. Aunque vivió en su infancia en Colombia, para mí es un milagro que el haya captado con tanta verdad mundos tan lejanos".

En cuanto al aire documental que tiene la película, el cineasta afirmó: "Esta es una película que no tiene nada de documental, no hay nada improvisado, ni nada que no se haya seleccionado con anticipación; la violencia es verdaderamente suave, si la comparamos con la realidad de Medellín, es una historia de amor suave".

Ante el secuestro cotidiano y la amenaza de extorsión (dada la "escandalosa historia") la filmación de "La Virgen de los sicarios" -película que representa a Colombia en la preselección al Oscar a la Mejor Película Extranjera-, transcurrió entre guardaespaldas encargados de la seguridad del director y el cuidado de las herramientas técnicas.

5-II-02

- El realizador chileno Orlando Lübbert, que resultó derrotado el pasado sábado en los Goya con su película "Taxi para tres" frente a la argentina "La fuga", critica con dureza al cine español en declaraciones publicadas por El Mercurio. "La industria del cine español ha crecido montones en aspectos técnicos, pero no en contenidos. Ya no tienen mucho que decir. A veces las mejores películas, como "Solas", son independientes, y otras que son producidas con mucho dinero, como "Juana la Loca", resultan ser verdademente horribles", afirma Lübbert. El director, que en el mismo fin de semana fue compensado por la suerte con un premio en el festival de Miami, asegura que su derrota, que atribuye a que la ganadora "es una coproducción entre Argentina y España, y en la categoría que yo competí siempre han ganado las coproducciones", no le perjudicará en su opción al Oscar. "Al Goya no lo conoce nadie en Estados Unidos, se trata de un premio español. En ese sentido nos ayudó mucho más el triunfo en San Sebastián, que es un festival internacional", dice.

- Pilar López de Ayala, recién premiada en los Goya por su papel de "Juana la Loca" tiene una nueva oportunidad de repetir discurso cuando el próximo 4 de marzo se entreguen los galardones de la Unión de Actores. La actriz se enfrentará otra vez a sus colegas Paz Vega ("Lucía y el sexo") y Victoria Abril ("Sin noticias de Dios") para el premio a la mejor interpretación protagonista. Elena Anaya ("Lucía y el sexo"), Najwa Nimri (por la misma película) y Rosana Pastor ("Juana la Loca") compiten en la categoría de interpretación secundaria, mientras que Javier Cámara ("Lucía y el sexo"), Rosa María Sardá ("Sin vergüenza") y Susi Sánchez ("Juana la Loca") lo hacen en la de interpretación de reparto. Tanto López de Ayala como Vega repiten candidatura en otra categoría, el de la revelación, donde se enfrentan junto a la teatral Mar Bordallo ("La Dorotea").

- El director colombiano Luis Ospina ("Soplo de vida") se encuentra actualmente realizando un documental sobre el escritor colombiano más polémico y polifacético, Fernando Vallejo, según informa Pantalla Colombia. Hace unos años, antes de la publicación de su novela "La virgen de los sicarios" (Llevada al cine por el director Barbet Schroeder), casi nadie sabia quien era realmente Fernando Vallejo. Se sabía que aparte de escribir había dirigido tres películas en México, dos de ellas con tema colombiano, prohibidas por la censura en su país natal. El documental "Fernando Vallejo: La desazón suprema", de Ospina, tiene su estructura narrativa basada en el desarrollo de un día típico en la vida de Vallejo. "Conviví -dice el cineasta- con el escritor durante veinte días, grabando yo mismo, con mi cámara su vida cotidiana. Esto último enriqueció mucho el rodaje puesto que pude captar momentos de intimidad difícilmente posibles con un equipo grande de gente y de luces. Para mi sorpresa, Fernando Vallejo no resulto ser el monstruo que los diferentes medios habían pintado. Detrás de su imagen pública se ocultaba algo que mi cámara capto. Una persona dulce, generosa, amante de los animales y de la música, con un profundo amor y dolor por su patria. Y que lleva una vida tranquila y solitaria en un exilio mexicano de más de 30 años".

4-II-02

El realizador malagueño Ramón Salazar, autor del multipremiado corto "Hongos" se prepara para estrenar en España este viernes su opera prima, "Piedras", una historia de cinco mujeres, sus pies y su calzado, que concursará en la Berlinale como único film latino en la sección oficial del primer gran certamen mundial del año. Salazar, quien este lunes ha presentado su debut en Madrid, cree tener bastante en común con sus personajes femeninos, pero asegura que no ha descuidado a los masculinos.

La génesis de "Piedras" tiene algo que ver con la prensa. "Gracias a "Hongos" me hicieron bastantes entrevistas, y cuando me preguntaban por mis proyectos, como no tenía realmente nada preparado o en mente, me dió por improvisar, y se me ocurrió hablar de mujeres cuyos destinos se entrecruzaban por los zapatos. Acabé tomándomelo en serio y usándolo como punto de partida". Las piedras que dan título a la cinta, por su parte, vienen de un anónimo profesor de dirección de empresas. Utilizaba como ejemplo en su clase una urna que llenaba de piedras grandes como puños. ¿Está la urna llena?, preguntaba a sus alumnos cuando ya no cabían más. La respuesta era afirmativa, hasta que él la llenaba de verdad con arena y agua. "Con esto -explica Salazar- quería decir que en la vida hay que colocar primero las piedras grandes: amor, amistad, familia, trabajo... Porque luego siempre queda espacio para todo lo demás, para lo que no tiene tanta importancia".

Sus cinco principales personajes, Adela (Antonia San Juan), Leire (Najwa Nimri), Maricarmen (Vicky Peña), Anita (Mónica Cervera), e Isabel (Angela Molina), son mujeres "que no han sabido colocar a tiempo sus piedras grandes. La película empieza cuando quieren encontrarles su hueco", dice Ramón Salazar. "Siempre he sentido en mi vida la necesidad de colocar en su sitio esas piedras grandes. A veces lo he conseguido y otras no. A mis personajes les pasa lo mismo... y creo que a todos los seres humanos. Todos nos hemos arrastrado, hemos llorado o hemos mentido por amor alguna vez".

El cineasta malagueño, que confiesa no creerse todavía su selección para Berlín, considera que hay una sexta protagonista en su película, la ciudad de Madrid, en la que lleva cuatro años viviendo: "Según como amanezca, así se sentirán estas mujeres. Salen mucho a la calle, y la calle les cambia el humor. Los espectadores descubrirán los lugares más emblemáticos, pero también los barrios periféricos, las autovías, el tráfico". Salazar explica que ya contaba con el acuerdo de varias de sus actrices incluso antes de que el productor Paco Ramos le llamara para confirmarle que harían la película. "Lo mejor de todo el proyecto ha sido trabajar con ellas. Y la relación que ha quedado entre nosotros. Son estupendas, lo dan todo y no son para nada divas".