Crónicas
ESTRENO: "El aura", el regreso con gloria de Fabián Bielinsky
15-IX-05
Cinco años atrás, el argentino Fabián Bielinsky debutaba como director de largometrajes con una pequeña historia de dos criminales que se enfrentaban a la oportunidad de sus vidas, luego de presentarse a un concurso de la productora Patagonik Film Group, cuyo premio consistía en la financiación de ese proyecto. Esa película se llamó "Nueve reinas" y representó todo un hito en el cine argentino reciente, consiguiendo la nada fácil misión de ser alabada tanto por la crítica como por el público. Ahora, Bielinsky regresa a las pantallas argentinas con su segundo paso como realizador, "El aura", film donde vuelve a contar con el protagonismo del indispensable Ricardo Darín, aunque la trama se ubica en las antípodas de su opera prima.
"Nueve reinas" me abrió un camino de enormes oportunidades. Hoy mi manera de agradecerle es tomar un camino radicalmente diferente, con las satisfacciones y los riesgos que eso implica", dice Bielinsky acerca de "El aura", un film, que como bien explica el cineasta, se aleja en todo sentido de aquel suceso que fue "Nueve reinas". Si bien el tema de cometer un crimen marca un punto de unión entre ambas cintas, donde la primera era todo ritmo, en esta es todo quietud; donde Darín era pura extroversión, aquí es toda introversión; donde Buenos Aires dictaba la velocidad de la historia, el misterio y tranquilidad de un bosque es el que otorga ese clima enrarecido que acompaña todo el metraje.
"Aura" se denomina a ese momento en que las personas que sufren epilepsia viven un instante de desorientación, donde todo se confunde, y se sensibilizan los sentidos. Esa es la experiencia que vive un taxidermista -del que nunca se menciona el nombre-, cada vez que se le presenta una crisis. Este hombre introvertido, parco, de pocas palabras, siente que cuenta con una característica que lo distingue del resto: la inteligencia. Una y mil veces ha pensado la forma de cometer el crimen perfecto, aduciendo que no olvida nada de lo que ve, aunque nunca se atrevió a cometerlo. Un viaje al sur lo involucrará de forma accidental en un plan delictivo -robar un casino que está a punto de cerrar-, el cual representa esa oportunidad de demostrar que puede cometer el atraco ideal, aunque como se suele decirse: del dicho al hecho, hay un largo trecho.
Bielinsky imaginó esta historia más de dos décadas atrás, en 1984, cuando era un asistente de dirección recién egresado de la escuela de cine. En veinte años, la trama se modificó hasta convertirse casi en lo contrario de aquella idea original. "Tenía un héroe y una sólida estructura moral, que incluía la redención y el sacrificio", recuerda Bielinsky sobre ese primer boceto de la historia, que el tiempo hizo que el héroe se convirtiera en poco menos que lo opuesto y la estructura moral se cayera al piso, ante el convencimiento de que "no hay sacrificio posible que redima a nadie". Precisamente ese taxidermista que interpreta Darín no busca ningún tipo de justificación a sus acciones, es una persona que se deja llevar por las circunstancias y luego busca salirse con la suya.
Con todo el peso de la película en sus hombros, Darín entrega otra actuación magistral, acotando sus recursos para meterse en la piel de ese hombre gris, que representa los ojos del espectador. Esa contención inicial hasta la explosión final marcan el ritmo de esta cinta, más psicológica que visceral -al igual que su protagonista-, aunque la violencia -directa, torpe, real- no este ausente y haga su aparición en el momento preciso. Esto reafirma la capacidad como narrador de Bielinsky, único cineasta argentino que parece haber hallado la clave para fusionar de forma feliz al arte con la industria.
Cinco años atrás, el argentino Fabián Bielinsky debutaba como director de largometrajes con una pequeña historia de dos criminales que se enfrentaban a la oportunidad de sus vidas, luego de presentarse a un concurso de la productora Patagonik Film Group, cuyo premio consistía en la financiación de ese proyecto. Esa película se llamó "Nueve reinas" y representó todo un hito en el cine argentino reciente, consiguiendo la nada fácil misión de ser alabada tanto por la crítica como por el público. Ahora, Bielinsky regresa a las pantallas argentinas con su segundo paso como realizador, "El aura", film donde vuelve a contar con el protagonismo del indispensable Ricardo Darín, aunque la trama se ubica en las antípodas de su opera prima.
"Nueve reinas" me abrió un camino de enormes oportunidades. Hoy mi manera de agradecerle es tomar un camino radicalmente diferente, con las satisfacciones y los riesgos que eso implica", dice Bielinsky acerca de "El aura", un film, que como bien explica el cineasta, se aleja en todo sentido de aquel suceso que fue "Nueve reinas". Si bien el tema de cometer un crimen marca un punto de unión entre ambas cintas, donde la primera era todo ritmo, en esta es todo quietud; donde Darín era pura extroversión, aquí es toda introversión; donde Buenos Aires dictaba la velocidad de la historia, el misterio y tranquilidad de un bosque es el que otorga ese clima enrarecido que acompaña todo el metraje.
"Aura" se denomina a ese momento en que las personas que sufren epilepsia viven un instante de desorientación, donde todo se confunde, y se sensibilizan los sentidos. Esa es la experiencia que vive un taxidermista -del que nunca se menciona el nombre-, cada vez que se le presenta una crisis. Este hombre introvertido, parco, de pocas palabras, siente que cuenta con una característica que lo distingue del resto: la inteligencia. Una y mil veces ha pensado la forma de cometer el crimen perfecto, aduciendo que no olvida nada de lo que ve, aunque nunca se atrevió a cometerlo. Un viaje al sur lo involucrará de forma accidental en un plan delictivo -robar un casino que está a punto de cerrar-, el cual representa esa oportunidad de demostrar que puede cometer el atraco ideal, aunque como se suele decirse: del dicho al hecho, hay un largo trecho.
Bielinsky imaginó esta historia más de dos décadas atrás, en 1984, cuando era un asistente de dirección recién egresado de la escuela de cine. En veinte años, la trama se modificó hasta convertirse casi en lo contrario de aquella idea original. "Tenía un héroe y una sólida estructura moral, que incluía la redención y el sacrificio", recuerda Bielinsky sobre ese primer boceto de la historia, que el tiempo hizo que el héroe se convirtiera en poco menos que lo opuesto y la estructura moral se cayera al piso, ante el convencimiento de que "no hay sacrificio posible que redima a nadie". Precisamente ese taxidermista que interpreta Darín no busca ningún tipo de justificación a sus acciones, es una persona que se deja llevar por las circunstancias y luego busca salirse con la suya.
Con todo el peso de la película en sus hombros, Darín entrega otra actuación magistral, acotando sus recursos para meterse en la piel de ese hombre gris, que representa los ojos del espectador. Esa contención inicial hasta la explosión final marcan el ritmo de esta cinta, más psicológica que visceral -al igual que su protagonista-, aunque la violencia -directa, torpe, real- no este ausente y haga su aparición en el momento preciso. Esto reafirma la capacidad como narrador de Bielinsky, único cineasta argentino que parece haber hallado la clave para fusionar de forma feliz al arte con la industria.
- © Cynthia M. García-NOTICINE.com
Felipe Cazals se prepara para el estreno mundial de "Las vueltas del Citrillo"
14-IX-05
El cineasta mexicano Felipe Cazals estrenará a nivel internacional su más reciente película, "Las vueltas del Citrillo", en el Nuevo Festival de Cine de Montreal (del 18 al 25 de septiembre). Es una producción del IMCINE (a través del FIDECINE), 4 Soles Films, los Estudios Churubusco Azteca y la Universidad de Guadalajara. La premiere tendrá lugar el 20 de septiembre en el Teatro Saint-Denis 2.
"Las vueltas del Citrillo" se ubica en la Ciudad de México de principios del siglo XX, a finales de la época del porfiriato, y plasma algunos elementos sociales y culturales de ese tiempo, abordando la desintegración arquitectónica, el asentamiento de expendios de bebidas alcohólicas, la inseguridad y la injusticia. Pero también -según ha explicado- tendrá algo de realismo mágico. En el elenco se encuentran actores como Damián Alcázar, José María Yázpik, Vanesa Bauche, Jorge Zarate, Carlos Cobos, Mario Zaragoza y Giovanna Zacarías.
El guión fue redactado por el propio Cazals durante tres años y medio, ya que lo interrumpió para hacer el documental de ficción "Digna, hasta el último aliento". Sitúa buena parte de la acción sen una peluquería de la Ciudad de México, en la que seres sin presente ni futuro se reunen a consumir sus vidas y a contar cuentos de muertos y desaparecidos.
Felipe Cazals también ejercerá como Jurado Internacional del Nuevo Festival de Montreal y exhibirá su película "Canoa", una de las más emblemáticas de su carrera junto a "El apando" y "Las Poquianchis". Se exhibirá al término de "Las vueltas del Citrillo" y posteriormente tendrá otra función el 21 de septiembre en el Cine Quartier Latin 9.
El cineasta mexicano Felipe Cazals estrenará a nivel internacional su más reciente película, "Las vueltas del Citrillo", en el Nuevo Festival de Cine de Montreal (del 18 al 25 de septiembre). Es una producción del IMCINE (a través del FIDECINE), 4 Soles Films, los Estudios Churubusco Azteca y la Universidad de Guadalajara. La premiere tendrá lugar el 20 de septiembre en el Teatro Saint-Denis 2.
"Las vueltas del Citrillo" se ubica en la Ciudad de México de principios del siglo XX, a finales de la época del porfiriato, y plasma algunos elementos sociales y culturales de ese tiempo, abordando la desintegración arquitectónica, el asentamiento de expendios de bebidas alcohólicas, la inseguridad y la injusticia. Pero también -según ha explicado- tendrá algo de realismo mágico. En el elenco se encuentran actores como Damián Alcázar, José María Yázpik, Vanesa Bauche, Jorge Zarate, Carlos Cobos, Mario Zaragoza y Giovanna Zacarías.
El guión fue redactado por el propio Cazals durante tres años y medio, ya que lo interrumpió para hacer el documental de ficción "Digna, hasta el último aliento". Sitúa buena parte de la acción sen una peluquería de la Ciudad de México, en la que seres sin presente ni futuro se reunen a consumir sus vidas y a contar cuentos de muertos y desaparecidos.
Felipe Cazals también ejercerá como Jurado Internacional del Nuevo Festival de Montreal y exhibirá su película "Canoa", una de las más emblemáticas de su carrera junto a "El apando" y "Las Poquianchis". Se exhibirá al término de "Las vueltas del Citrillo" y posteriormente tendrá otra función el 21 de septiembre en el Cine Quartier Latin 9.
- © Víctor Uribe-NOTICINE.com
Primera Semana de cine egipcio en Cuba
14-IX-05
Del 16 al 22 de este mes, los cinéfilos habaneros podrán entrar en contacto con un ilustre desconocido: el cine egipcio, en una selección que abarca desde 1968 a 1994, mediante siete películas que darán un apretado panorama del mismo, en la sede habitual de estas muestras: la sala Chaplin de la Cinemateca de Cuba, institución que junto al ICAIC y la Embajada de la República Árabe de Egipto entre nosotros, auspician el evento.
En Egipto, después de haber pasado unos primeros tiempos por un cine a base de comedias musicales y melodramas muy influenciados por las formas teatrales, surge a partir de 1939 un cine neorrealista que dura hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. A partir de entonces, comienza a hacerse un cine evasivo de baja calidad. En los años 50, irrumpen películas de guerra, cine policíaco, cine folklórico y dramas psicológicos que cuentan con guionistas procedentes de la narrativa, como es el caso de algunas adaptaciones de la obra de N. Mahfuz. En 1952, la mayor parte de la industria es nacionalizada, pero esto apenas afecta al tipo de cine que se venía haciendo. Su industria alcanza entonces, con una producción media de 50 a 60 películas al año, el duodécimo lugar en la producción mundial, dominando en Oriente Medio y Norte de Africa. El cine egipcio produce cada año tantas películas como todo el Africa subsahariana en 25 años de producción cinematográfica. Se puede encontrar en él todos los géneros del cine contemporáneo.
De ello da fe esta semana, donde encontramos lo mismo dramas sociales ("El cartero", de 1968; "La visita del presidente", de 1994) que policíacos ("El diario de un fiscal rural", de 1968 ) o cine político ("El imperio de Satanás", de 1986) y de corte lírico ("El capitán", de fecha no precisada).
La premiére corresponde a una cinta de 1989: "Los sueños de Hind y Camelia", de Mohamed Khan, que dejará oficialmente inaugurada la semana el viernes 16 a las 8:30 p.m. Se trata de una cinta de aventuras que enrola a dos muchachas que fortalecen sus vínculos amistosos al trabajar como criadas; una del interior y viuda, la otra citadina y divorciada, protagonizan numerosas peripecias donde tienen que estar constantemente en guardia contra los hombres, la sociedad, los ricos y sus propios familiares.
De fondo, el mundo exótico de El Cairo, sus costumbres, sus bajos fondos y sus lugares lujosos, grandes contrastes de una sociedad que parece edificarse sobre ellos.
La cinta se deja ver, corre como las aventuras que llenan la trama, si bien está calcada en su estructura (aunque con motivos egipcios) de cualquier cinta hollywoodiense de entonces,: así es también de maniquea, efectista y truquera en sus presupuestos dramáticos y caracterológicos. Tiene, eso sí, notables actuaciones (sobre todo de las féminas protagónicas) y una fotografía matizada.
Ya estaremos comentando sobre este primer encontronazo con ese cine procedente del mismo lugar que viera nacer a Cleopatra y Omar Sharif.
Del 16 al 22 de este mes, los cinéfilos habaneros podrán entrar en contacto con un ilustre desconocido: el cine egipcio, en una selección que abarca desde 1968 a 1994, mediante siete películas que darán un apretado panorama del mismo, en la sede habitual de estas muestras: la sala Chaplin de la Cinemateca de Cuba, institución que junto al ICAIC y la Embajada de la República Árabe de Egipto entre nosotros, auspician el evento.
En Egipto, después de haber pasado unos primeros tiempos por un cine a base de comedias musicales y melodramas muy influenciados por las formas teatrales, surge a partir de 1939 un cine neorrealista que dura hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. A partir de entonces, comienza a hacerse un cine evasivo de baja calidad. En los años 50, irrumpen películas de guerra, cine policíaco, cine folklórico y dramas psicológicos que cuentan con guionistas procedentes de la narrativa, como es el caso de algunas adaptaciones de la obra de N. Mahfuz. En 1952, la mayor parte de la industria es nacionalizada, pero esto apenas afecta al tipo de cine que se venía haciendo. Su industria alcanza entonces, con una producción media de 50 a 60 películas al año, el duodécimo lugar en la producción mundial, dominando en Oriente Medio y Norte de Africa. El cine egipcio produce cada año tantas películas como todo el Africa subsahariana en 25 años de producción cinematográfica. Se puede encontrar en él todos los géneros del cine contemporáneo.
De ello da fe esta semana, donde encontramos lo mismo dramas sociales ("El cartero", de 1968; "La visita del presidente", de 1994) que policíacos ("El diario de un fiscal rural", de 1968 ) o cine político ("El imperio de Satanás", de 1986) y de corte lírico ("El capitán", de fecha no precisada).
La premiére corresponde a una cinta de 1989: "Los sueños de Hind y Camelia", de Mohamed Khan, que dejará oficialmente inaugurada la semana el viernes 16 a las 8:30 p.m. Se trata de una cinta de aventuras que enrola a dos muchachas que fortalecen sus vínculos amistosos al trabajar como criadas; una del interior y viuda, la otra citadina y divorciada, protagonizan numerosas peripecias donde tienen que estar constantemente en guardia contra los hombres, la sociedad, los ricos y sus propios familiares.
De fondo, el mundo exótico de El Cairo, sus costumbres, sus bajos fondos y sus lugares lujosos, grandes contrastes de una sociedad que parece edificarse sobre ellos.
La cinta se deja ver, corre como las aventuras que llenan la trama, si bien está calcada en su estructura (aunque con motivos egipcios) de cualquier cinta hollywoodiense de entonces,: así es también de maniquea, efectista y truquera en sus presupuestos dramáticos y caracterológicos. Tiene, eso sí, notables actuaciones (sobre todo de las féminas protagónicas) y una fotografía matizada.
Ya estaremos comentando sobre este primer encontronazo con ese cine procedente del mismo lugar que viera nacer a Cleopatra y Omar Sharif.
- © Frank Padrón (Cuba)-NOTICINE.com
Marcelo Piñeyro: "Parece que de un momento a otro el mundo va a estallar"
13-IX-05
La manifestación de la competitividad para alcanzar un puesto ejecutivo en el salvaje mundo de las grandes compañías transnacionales es el tema de "El método", cinta del realizador argentino Marcelo Piñeyro que se estrenará el próximo día 23. El film es la adaptación de la famosa obra de teatro "El método Gronholm" que cuenta la rivalidad existente entre los candidatos a un mismo puesto en un proceso de selección. Entre el gran elenco de actores cabe destacar la presencia de Carmelo Gómez, Najwa Nimri, Eduardo Noriega o Natalia Verbeke. "La obra me sedujo porque me pareció fantástica la idea de tomar como universo las pruebas de selección de personal que se aplican a los ejecutivos", afirmaba este lunes en Madrid Piñeyro, al presentar su film.
A la hora de escribir el guión el director ha querido dar su propia versión de la obra: "tenía claro que quería contar otra cosa pero siempre respetando las unidades de espacio y tiempo en los que se desarrollaba la acción". Respecto de la temática de la película, Piñeyro pretendía sacar una fotografía del momento actual en el que se encuentra la sociedad no solo desde dentro de la sala donde se realiza la selección sino fuera, en la calle: "quería reflejar el caos y, sobre todo, la tensión con la que se vive en estos días, que parece que de un momento a otro el mundo va a estallar".
El director también ha querido destacar la gran versatilidad que le han proporcionado las cámaras de alta definición con las que se ha rodado la mayor parte de las secuencias: "eran planos muy largos, de 6 y 7 minutos, lo que hacía muy complicado el cambio de metraje." Por último, el director ha querido agradecer a todos los actores el gran esfuerzo realizado y el enorme entusiasmo puesto durante todo el rodaje: "lo más complicado ha sido conseguir que, debido al gran nivel de los actores, ninguno eclipsara a los demás".
Los actores han confesado el nerviosismo inicial debido a ese gran nivel de todos ellos. "Al principio llegábamos al local de ensayos en Lavapies y nos mirábamos tímidamente unos a otros, eramos gente muy típica en una historia muy atípica", comenta Carmelo Gómez. A su vez, Eduardo Noriega resaltaba la gran viveza del texto que provocaba un sentimiento de continua incertidumbre "parecía que podíamos ser expulsados al día siguiente del rodaje por un cambio del guión como si de la película se tratase".
"El método" es por encima de todo un film de actores, y no de cualquiera, sino de ocho primeras figuras de Argentina y España: Natalia Verbeke, Nawja Nimri, Eduardo Noriega, Carmelo Gómez, Eduard Fernández, Adriana Ozores, Ernesto Alterio y Pablo Echarri.
La manifestación de la competitividad para alcanzar un puesto ejecutivo en el salvaje mundo de las grandes compañías transnacionales es el tema de "El método", cinta del realizador argentino Marcelo Piñeyro que se estrenará el próximo día 23. El film es la adaptación de la famosa obra de teatro "El método Gronholm" que cuenta la rivalidad existente entre los candidatos a un mismo puesto en un proceso de selección. Entre el gran elenco de actores cabe destacar la presencia de Carmelo Gómez, Najwa Nimri, Eduardo Noriega o Natalia Verbeke. "La obra me sedujo porque me pareció fantástica la idea de tomar como universo las pruebas de selección de personal que se aplican a los ejecutivos", afirmaba este lunes en Madrid Piñeyro, al presentar su film.
A la hora de escribir el guión el director ha querido dar su propia versión de la obra: "tenía claro que quería contar otra cosa pero siempre respetando las unidades de espacio y tiempo en los que se desarrollaba la acción". Respecto de la temática de la película, Piñeyro pretendía sacar una fotografía del momento actual en el que se encuentra la sociedad no solo desde dentro de la sala donde se realiza la selección sino fuera, en la calle: "quería reflejar el caos y, sobre todo, la tensión con la que se vive en estos días, que parece que de un momento a otro el mundo va a estallar".
El director también ha querido destacar la gran versatilidad que le han proporcionado las cámaras de alta definición con las que se ha rodado la mayor parte de las secuencias: "eran planos muy largos, de 6 y 7 minutos, lo que hacía muy complicado el cambio de metraje." Por último, el director ha querido agradecer a todos los actores el gran esfuerzo realizado y el enorme entusiasmo puesto durante todo el rodaje: "lo más complicado ha sido conseguir que, debido al gran nivel de los actores, ninguno eclipsara a los demás".
Los actores han confesado el nerviosismo inicial debido a ese gran nivel de todos ellos. "Al principio llegábamos al local de ensayos en Lavapies y nos mirábamos tímidamente unos a otros, eramos gente muy típica en una historia muy atípica", comenta Carmelo Gómez. A su vez, Eduardo Noriega resaltaba la gran viveza del texto que provocaba un sentimiento de continua incertidumbre "parecía que podíamos ser expulsados al día siguiente del rodaje por un cambio del guión como si de la película se tratase".
"El método" es por encima de todo un film de actores, y no de cualquiera, sino de ocho primeras figuras de Argentina y España: Natalia Verbeke, Nawja Nimri, Eduardo Noriega, Carmelo Gómez, Eduard Fernández, Adriana Ozores, Ernesto Alterio y Pablo Echarri.
- © Guillermo Alonso-NOTICINE.com
Daniel Calparsoro escribe sobre "Ausentes"
13-IX-05
Por Daniel Calparsoro (*)
"Ausentes" es un thriller psicológico que se desarrolla en el seno de una familia de clase media al mudarse a una apartada urbanización.
Es un ambiente aparentemente idílico para la convivencia de padres e hijos lo que utilizamos como antagonista de la historia. Una de esas urbanizaciones de semilujo que proliferan alrededor de nuestras ciudades se convierte así en el escenario ideal para desarrollar una historia de miedo y angustia.
Un lugar hiperprotegido y vigilado, donde nada externo influye, nos sirve para encerrar a los personajes y confrontarlos con sus propios miedos y fantasmas. De tal forma que en esa ausencia de elementos externos, estos miedos y fantasmas "toman cuerpo" y a medida que se desarrolla la película, inciden en la acción terminando por acorralar a los personajes, haciéndolos prisioneros de su propia realidad. Una realidad terrible que se desvela al final.
El hecho de que la urbanización aparezca desierta, sin otros habitantes que la familia en cuestión, y que casi toda la película se desarrolle a plena luz del día, ayuda a construir un ambiente angustioso del que los personajes son incapaces de escapar y donde dan rienda suelta a sus miedos y tensiones enfrentándose unos a otros, convirtiéndose ellos mismos en sus peores enemigos.
Lo importante de la historia no es si los fantasmas son o no reales, que de alguna forma lo son, sino el hecho de que "tomen cuerpo" y confronten a la familia con su propia realidad; una realidad de la que vienen huyendo desde hace tiempo, y que finalmente, en un lugar tan aislado y apacible, se muestra con rotunda veracidad, como algo inevitable de lo que no pueden escapar.
"Ausentes" es una película que utiliza lo cotidiano como elemento de angustia, el miedo a lo real como elemento de thriller psicológico y la "materialización" de esos miedos como elemento de género.
(*): Nacido en San Sebastián en 1968, Daniel Calparsoro es guionista y realizador de seis películas en los últimos diez años. Entre ellas están "Salto al vacío", "A ciegas", "Asfalto" y "Guerreros". La última, "Ausentes", se estrena este viernes en España.
Por Daniel Calparsoro (*)
"Ausentes" es un thriller psicológico que se desarrolla en el seno de una familia de clase media al mudarse a una apartada urbanización.
Es un ambiente aparentemente idílico para la convivencia de padres e hijos lo que utilizamos como antagonista de la historia. Una de esas urbanizaciones de semilujo que proliferan alrededor de nuestras ciudades se convierte así en el escenario ideal para desarrollar una historia de miedo y angustia.
Un lugar hiperprotegido y vigilado, donde nada externo influye, nos sirve para encerrar a los personajes y confrontarlos con sus propios miedos y fantasmas. De tal forma que en esa ausencia de elementos externos, estos miedos y fantasmas "toman cuerpo" y a medida que se desarrolla la película, inciden en la acción terminando por acorralar a los personajes, haciéndolos prisioneros de su propia realidad. Una realidad terrible que se desvela al final.
El hecho de que la urbanización aparezca desierta, sin otros habitantes que la familia en cuestión, y que casi toda la película se desarrolle a plena luz del día, ayuda a construir un ambiente angustioso del que los personajes son incapaces de escapar y donde dan rienda suelta a sus miedos y tensiones enfrentándose unos a otros, convirtiéndose ellos mismos en sus peores enemigos.
Lo importante de la historia no es si los fantasmas son o no reales, que de alguna forma lo son, sino el hecho de que "tomen cuerpo" y confronten a la familia con su propia realidad; una realidad de la que vienen huyendo desde hace tiempo, y que finalmente, en un lugar tan aislado y apacible, se muestra con rotunda veracidad, como algo inevitable de lo que no pueden escapar.
"Ausentes" es una película que utiliza lo cotidiano como elemento de angustia, el miedo a lo real como elemento de thriller psicológico y la "materialización" de esos miedos como elemento de género.
(*): Nacido en San Sebastián en 1968, Daniel Calparsoro es guionista y realizador de seis películas en los últimos diez años. Entre ellas están "Salto al vacío", "A ciegas", "Asfalto" y "Guerreros". La última, "Ausentes", se estrena este viernes en España.
- © Star Line / Telecinco-NOTICINE.com