Festivales
Sorprendente explosión latina en la Sección Oficial de Cannes 2006
20-IV-06
Rompiendo con la linea de marginación a la que ha sometido a la cinematografía y los creadores iberoamericanos durante años, el Festival Internacional de Cine de Cannes ha presentado este jueves una selección oficial con nada menos que cuatro films dirigidos por latinos: el español Pedro Almodóvar ("Volver"), los mexicanos Alejandro González Iñárritu ("Babel") y Guilermo del Toro ("El laberinto del fauno") y el portugués Pedro Costa ("Juventude en Marcha"). A su lado, siempre compitiendo por la Palma de Oro, habrá cineastas de la talla de Sofia Coppola ("Marie Antoinette"), Aki Kaurismaki ("Laitakaupungin valot"), Richard Linklater("Fast food nation"), Ken Loach ("The wind that shakes the barley") y Nanni Moretti ("Il caimano").
El propio programador de Cannes, Thierry Frémaux, lo ha confesado en rueda de prensa: "Si 2005 fue el año del regreso de los grandes autores, este año será todo lo contrario, el de la renovación... tomando riesgos". Sí es cierto que aparte de los ya citados no hay autores demasiados consagrados, y la media de edad de los contendientes está por debajo de los 50 años.
Entre los elegidos iberoamericanos, ya "presentidos" por NOTICINE.com en varios artículos previos, Almodóvar y González Iñárritu parecen perfilarse en teoría como candidatos serios a premio, dada su previa trayectoria. Llama la atención que Pedro, una vez más, de desdiga a sí mismo (Anunció públicamente que no volvería a concursar cuando "Todo sobre mi madre" no ganó la Palma "cantada" por decisión del presidente del jurado David Cronenberg), y que un film fantástico como "El laberinto del fauno", coproducción hispano-mexicana dirigida por Guillermo del Toro, conviva con más sesudas historias, cuyo principal denominador común sería este año la política.
En efecto, aunque las representantes latinas no van por ese lado, los films de Moretti, Loach, Linklater, Lou Ye ("Summer palace") o Rachid Bouchareb ("Indigènes") coinciden en hechos historico - socio - políticos actuales o del pasado. Incluso entre las más comerciales cintas fuera de competencia, al lado de "X-Men 3" o "El código Da Vinci" encontramos "United 93", de Paul Greengrass, sobre uno de los aviones que protagonizaron la negra jornada del 11-S.
Pero, volviendo al inusitado peso latino que -más vale tarde que nunca- muestra Cannes en su 59 edición, éste se extiende a la principal sección paralela, la informativa Un Certain Regard, donde encontramos a Adrián Caetano con "Una fuga", Paz Encina con "Hamaca paraguaya", Manuel Huerga con "Salvador Puig Antich", y Francisco Vargas con "El violín", es decir... De nuevo cuatro títulos de cineastas iberoamericanos.
En próximas ediciones volveremos sobre la selección, con declaraciones de Frémaux.
CANNES 2006-SECCION OFICIAL A CONCURSO
- "Flandres" (Bruno Dumont)
- "Selon Charlie" (Nicole Garcia)
- "Quand j'etais chanteur" (Xavier Giannoli)
- "Volver" (Pedro Almodovar)
- "Red Road" (Andrea Arnold)
- "La raison du plus faible (Lucas Belvaux)
- "Indegènes" (Rachid Bouchareb)
- "Iklimer" (Nuri Bilge Ceylan)
- "Marie Antoinette" (Sofia Coppola)
- "Juventude em marcha" (Pedro Costa)
- "El laberinto del fauno" (Guillermo Del Toro)
- "Babel" (Alejandro Gonzalez Inarritu)
- "Laitakaupungin valot" (Aki Kaurismaki)
- "Southland tales" (Richard Kelly)
- "Fast food nation" (Richard Linklater)
- "The wind that shakes the barley" (Ken Loach)
- "Summer palace" (Lou Ye)
- "Il caimano" (Nanni Moretti)
- "L'amico di famiglia (Paolo Sorrentino)
Rompiendo con la linea de marginación a la que ha sometido a la cinematografía y los creadores iberoamericanos durante años, el Festival Internacional de Cine de Cannes ha presentado este jueves una selección oficial con nada menos que cuatro films dirigidos por latinos: el español Pedro Almodóvar ("Volver"), los mexicanos Alejandro González Iñárritu ("Babel") y Guilermo del Toro ("El laberinto del fauno") y el portugués Pedro Costa ("Juventude en Marcha"). A su lado, siempre compitiendo por la Palma de Oro, habrá cineastas de la talla de Sofia Coppola ("Marie Antoinette"), Aki Kaurismaki ("Laitakaupungin valot"), Richard Linklater("Fast food nation"), Ken Loach ("The wind that shakes the barley") y Nanni Moretti ("Il caimano").
El propio programador de Cannes, Thierry Frémaux, lo ha confesado en rueda de prensa: "Si 2005 fue el año del regreso de los grandes autores, este año será todo lo contrario, el de la renovación... tomando riesgos". Sí es cierto que aparte de los ya citados no hay autores demasiados consagrados, y la media de edad de los contendientes está por debajo de los 50 años.
Entre los elegidos iberoamericanos, ya "presentidos" por NOTICINE.com en varios artículos previos, Almodóvar y González Iñárritu parecen perfilarse en teoría como candidatos serios a premio, dada su previa trayectoria. Llama la atención que Pedro, una vez más, de desdiga a sí mismo (Anunció públicamente que no volvería a concursar cuando "Todo sobre mi madre" no ganó la Palma "cantada" por decisión del presidente del jurado David Cronenberg), y que un film fantástico como "El laberinto del fauno", coproducción hispano-mexicana dirigida por Guillermo del Toro, conviva con más sesudas historias, cuyo principal denominador común sería este año la política.
En efecto, aunque las representantes latinas no van por ese lado, los films de Moretti, Loach, Linklater, Lou Ye ("Summer palace") o Rachid Bouchareb ("Indigènes") coinciden en hechos historico - socio - políticos actuales o del pasado. Incluso entre las más comerciales cintas fuera de competencia, al lado de "X-Men 3" o "El código Da Vinci" encontramos "United 93", de Paul Greengrass, sobre uno de los aviones que protagonizaron la negra jornada del 11-S.
Pero, volviendo al inusitado peso latino que -más vale tarde que nunca- muestra Cannes en su 59 edición, éste se extiende a la principal sección paralela, la informativa Un Certain Regard, donde encontramos a Adrián Caetano con "Una fuga", Paz Encina con "Hamaca paraguaya", Manuel Huerga con "Salvador Puig Antich", y Francisco Vargas con "El violín", es decir... De nuevo cuatro títulos de cineastas iberoamericanos.
En próximas ediciones volveremos sobre la selección, con declaraciones de Frémaux.
CANNES 2006-SECCION OFICIAL A CONCURSO
- "Flandres" (Bruno Dumont)
- "Selon Charlie" (Nicole Garcia)
- "Quand j'etais chanteur" (Xavier Giannoli)
- "Volver" (Pedro Almodovar)
- "Red Road" (Andrea Arnold)
- "La raison du plus faible (Lucas Belvaux)
- "Indegènes" (Rachid Bouchareb)
- "Iklimer" (Nuri Bilge Ceylan)
- "Marie Antoinette" (Sofia Coppola)
- "Juventude em marcha" (Pedro Costa)
- "El laberinto del fauno" (Guillermo Del Toro)
- "Babel" (Alejandro Gonzalez Inarritu)
- "Laitakaupungin valot" (Aki Kaurismaki)
- "Southland tales" (Richard Kelly)
- "Fast food nation" (Richard Linklater)
- "The wind that shakes the barley" (Ken Loach)
- "Summer palace" (Lou Ye)
- "Il caimano" (Nanni Moretti)
- "L'amico di famiglia (Paolo Sorrentino)
- © Redacción-NOTICINE.com
Una historia adolescente brilla en el Bafici
19-IV-06
Alexis Dos Santos tiene 35 años, pero su cara de niño y su look cuidadamente descuidado -jeans, zapatillas, mochila, cabello revuelto- hacen que parezca no estar muy lejos de los adolescentes que protagonizan su opera prima, "Glue, una historia adolescente en medio de la nada", la cual se estrenó a nivel local formando parte de la competencia nacional del 8 Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, donde es favorita, previo paso por la competencia oficial del Festival de Rotterdam.
"Glue, una historia adolescente en medio de la nada" responde de forma absoluta al carácter independiente que pregona el certámen, a pesar de contar con una madrina de lujo como la catalana Isabel Coixet. La película, rodada con muy bajo presupuesto -apenas el necesario para cubrir los gastos de la localización en Zapala-, está realizada en base a la improvisación sobre un guión de tan solo 17 páginas. Como su título anticipa, este film es una historia sobre adolescentes que se mueven en una ciudad remota, más precisamente en el sur de la Argentina, donde el paisaje parece empequeñecer al ser humano.
Nahuel Pérez Biscayart, ya convertido en una feliz realidad del cine argentino tras ser tildado como la revelación del pasado año por "Tatuado" y "El aura", es el hilo conductor de esta trama que sigue el devenir de un joven en su convivencia diaria con la familia y los amigos, explorando su sexualidad sin cuestionamientos (se siente atraído por un chico y una chica) y sin pensar en el mañana, un rasgo que distingue a todos los personajes de este micromundo.
- La película toca diversos temas: la adolescencia, la sexualidad, la familia, los amigos, la vida en un pueblo chico, ¿Cuál fue el disparador para la historia?
- Al comienzo era una historia más corta, que supuestamente transcurría en Londres y era sobre dos chicos que se van a la casa del padre de uno de ellos y aspiran pegamento, que es toda la escena que transcurre en Neuquén. Era un corto de 15 minutos. Después me dieron ganas de desarrollarlo más y que fuera un largo, y ahí apareció la trama familiar y la historia con la chica, pero ese es el corazón de la historia. La idea era contar sobre este chico, en este contexto familiar, con este amigo, en esta etapa de descubrimiento. La película es este balance entre lo que pasa por un lado con la familia y por el otro con los amigos, y cómo el personaje central va despegándose de su familia y encontrando su nueva forma de ser, un nueva forma de comportamiento, de interacción. Por otro lado, me parecía importante que la sexualidad no fuera cuestionada, que la ambigüedad no fuera cuestionada.
- ¿Qué fue lo que le agregó Zapala como escenario de la acción?
- Cuando empecé a pensar en la historia del largo, decidí que no fuera en Londres sino en Argentina, en un pueblo de la Patagonia que bien podría ser Zapala, que es donde yo crecí, por el tipo de paisaje, de atmósfera y de cosas que pasan y dejan de pasar que tienen que ver con el pueblo y con cosas que yo viví como adolescente. Me pareció que ese tipo de contexto le podía aportar a la película. La historia tiene esa cosa universal, pero por otro lado creo que lo particular del lugar le da una riqueza distinta.
- "Glue" por momentos se acerca al cine independiente americano y por otros a eso que se ha dado en llamar nuevo cine argentino, ¿Con cuál la sentís más cercana?
- No sé que responderte a eso. Es una película hecha en argentina, con cero presupuesto, a la manera en que se hacen casi todas las operas primas del nuevo cine argentino, como todo a pulmón. Por un lado eso, ahora a nivel historia, estético yo tengo referentes que tienen que ver con el cine norteamericano, películas japonesas, una película alemana que ví cuando tenía 13 años que se llama "Christiane F" ("Yo, Cristina F"), el videoarte de Sadie Benning...
- Este film está hecho en base a improvisaciones, ¿Cómo fue la forma de trabajo?
- Había momentos en los que había cosas más armadas, pero muchas veces era armar algo y a partir de ahí abrirlo y dejar que las cosas fluyan. Los actores tenían libertad de hacer lo que querían, en un punto. La pauta por ejemplo podía ser: armar la carpa y había que hacerlo, y eran como veinte minutos de la familia peleando por armar la carpa y la cámara tratando de filmar y estar en el momento adecuado. Antes de cada escena lo hablábamos, a veces daba más especificaciones que en otras. Antes de empezar a filmar la película estuvimos con los chicos como diez o doce días en Zapala, haciendo ensayos en locaciones, lo que llamamos un período de Work-shop, donde íbamos a los lugares e íbamos incorporando cosas. Al principio íbamos sin cámara, después con una chiquitita, después vino el sonidista...era como si de a poco iba transformándose en rodaje sin que nos dieras cuenta.
- ¿Por dónde pasó tu búsqueda de lo visual, que es un aspecto muy destacado de "Glue"?
- No era algo premeditado sino que era algo como intuitivo, tratando de romper con formas en las que yo trabajé antes. Siempre trato de buscar formas nuevas y romper con conceptos. Mi búsqueda de lo visual es más intuitivo que intelectualizado, menos premeditado. Y especialmente en esta película que está basada en improvisaciones, todo el tiempo la cámara tenía que estar intuyendo hacia dónde ir, encontrar el lugar adecuado. Obviamente hay una cosa de decidir tal locación, tal lugar para filmar, determinado look, determinada forma de usar la cámara para que los colores resalten de una forma u otra. Sí hay una búsqueda estética, no te voy a negar que no, pero por otro lado hay algo muy fluido, muy orgánico que tenía que ver con lo que pasaba en ese momento.
- Si bien asumiste la producción de "Glue", en los créditos figura como productora ejecutiva nada menos que Isabel Coixet, ¿En qué consistió su trabajo con esta película?
- Ella es amiga mía hace mucho tiempo. Yo en 1996 me fui a Barcelona y viví durante un par de años allí, estudié guión, actuación y otras cosas, aunque después fui a estudiar a la National Film & Television School de Londres. Pero en el tiempo que estuve en Barcelona la conocí a Isabel y me hice amigo. Ella me ayudó a terminar un corto que co-dirigí, "Meteoritos", que filmé acá pero lo edité en Barcelona. Cuando terminé de editar "Glue", le mostré la película a Isabel, le encantó, y me dijo que me podía ayudar en lo que sea y, básicamente, me ayudó a terminarla.
- ¿Tenés planeado tu próximo paso como director?
- Sí, voy a hacer una película que ya venía escribiendo de antes, que transcurre en Londres, donde yo vivo desde 1998. Esa iba a ser mi primera película, pero terminé haciendo "Glue" antes. Se llama "Unmade Beds" (Camas desechas), son tres historias sobre extranjeros que viven en Londres y creo que va a actuar Leonor Watling.
Alexis Dos Santos tiene 35 años, pero su cara de niño y su look cuidadamente descuidado -jeans, zapatillas, mochila, cabello revuelto- hacen que parezca no estar muy lejos de los adolescentes que protagonizan su opera prima, "Glue, una historia adolescente en medio de la nada", la cual se estrenó a nivel local formando parte de la competencia nacional del 8 Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, donde es favorita, previo paso por la competencia oficial del Festival de Rotterdam.
"Glue, una historia adolescente en medio de la nada" responde de forma absoluta al carácter independiente que pregona el certámen, a pesar de contar con una madrina de lujo como la catalana Isabel Coixet. La película, rodada con muy bajo presupuesto -apenas el necesario para cubrir los gastos de la localización en Zapala-, está realizada en base a la improvisación sobre un guión de tan solo 17 páginas. Como su título anticipa, este film es una historia sobre adolescentes que se mueven en una ciudad remota, más precisamente en el sur de la Argentina, donde el paisaje parece empequeñecer al ser humano.
Nahuel Pérez Biscayart, ya convertido en una feliz realidad del cine argentino tras ser tildado como la revelación del pasado año por "Tatuado" y "El aura", es el hilo conductor de esta trama que sigue el devenir de un joven en su convivencia diaria con la familia y los amigos, explorando su sexualidad sin cuestionamientos (se siente atraído por un chico y una chica) y sin pensar en el mañana, un rasgo que distingue a todos los personajes de este micromundo.
- La película toca diversos temas: la adolescencia, la sexualidad, la familia, los amigos, la vida en un pueblo chico, ¿Cuál fue el disparador para la historia?
- Al comienzo era una historia más corta, que supuestamente transcurría en Londres y era sobre dos chicos que se van a la casa del padre de uno de ellos y aspiran pegamento, que es toda la escena que transcurre en Neuquén. Era un corto de 15 minutos. Después me dieron ganas de desarrollarlo más y que fuera un largo, y ahí apareció la trama familiar y la historia con la chica, pero ese es el corazón de la historia. La idea era contar sobre este chico, en este contexto familiar, con este amigo, en esta etapa de descubrimiento. La película es este balance entre lo que pasa por un lado con la familia y por el otro con los amigos, y cómo el personaje central va despegándose de su familia y encontrando su nueva forma de ser, un nueva forma de comportamiento, de interacción. Por otro lado, me parecía importante que la sexualidad no fuera cuestionada, que la ambigüedad no fuera cuestionada.
- ¿Qué fue lo que le agregó Zapala como escenario de la acción?
- Cuando empecé a pensar en la historia del largo, decidí que no fuera en Londres sino en Argentina, en un pueblo de la Patagonia que bien podría ser Zapala, que es donde yo crecí, por el tipo de paisaje, de atmósfera y de cosas que pasan y dejan de pasar que tienen que ver con el pueblo y con cosas que yo viví como adolescente. Me pareció que ese tipo de contexto le podía aportar a la película. La historia tiene esa cosa universal, pero por otro lado creo que lo particular del lugar le da una riqueza distinta.
- "Glue" por momentos se acerca al cine independiente americano y por otros a eso que se ha dado en llamar nuevo cine argentino, ¿Con cuál la sentís más cercana?
- No sé que responderte a eso. Es una película hecha en argentina, con cero presupuesto, a la manera en que se hacen casi todas las operas primas del nuevo cine argentino, como todo a pulmón. Por un lado eso, ahora a nivel historia, estético yo tengo referentes que tienen que ver con el cine norteamericano, películas japonesas, una película alemana que ví cuando tenía 13 años que se llama "Christiane F" ("Yo, Cristina F"), el videoarte de Sadie Benning...
- Este film está hecho en base a improvisaciones, ¿Cómo fue la forma de trabajo?
- Había momentos en los que había cosas más armadas, pero muchas veces era armar algo y a partir de ahí abrirlo y dejar que las cosas fluyan. Los actores tenían libertad de hacer lo que querían, en un punto. La pauta por ejemplo podía ser: armar la carpa y había que hacerlo, y eran como veinte minutos de la familia peleando por armar la carpa y la cámara tratando de filmar y estar en el momento adecuado. Antes de cada escena lo hablábamos, a veces daba más especificaciones que en otras. Antes de empezar a filmar la película estuvimos con los chicos como diez o doce días en Zapala, haciendo ensayos en locaciones, lo que llamamos un período de Work-shop, donde íbamos a los lugares e íbamos incorporando cosas. Al principio íbamos sin cámara, después con una chiquitita, después vino el sonidista...era como si de a poco iba transformándose en rodaje sin que nos dieras cuenta.
- ¿Por dónde pasó tu búsqueda de lo visual, que es un aspecto muy destacado de "Glue"?
- No era algo premeditado sino que era algo como intuitivo, tratando de romper con formas en las que yo trabajé antes. Siempre trato de buscar formas nuevas y romper con conceptos. Mi búsqueda de lo visual es más intuitivo que intelectualizado, menos premeditado. Y especialmente en esta película que está basada en improvisaciones, todo el tiempo la cámara tenía que estar intuyendo hacia dónde ir, encontrar el lugar adecuado. Obviamente hay una cosa de decidir tal locación, tal lugar para filmar, determinado look, determinada forma de usar la cámara para que los colores resalten de una forma u otra. Sí hay una búsqueda estética, no te voy a negar que no, pero por otro lado hay algo muy fluido, muy orgánico que tenía que ver con lo que pasaba en ese momento.
- Si bien asumiste la producción de "Glue", en los créditos figura como productora ejecutiva nada menos que Isabel Coixet, ¿En qué consistió su trabajo con esta película?
- Ella es amiga mía hace mucho tiempo. Yo en 1996 me fui a Barcelona y viví durante un par de años allí, estudié guión, actuación y otras cosas, aunque después fui a estudiar a la National Film & Television School de Londres. Pero en el tiempo que estuve en Barcelona la conocí a Isabel y me hice amigo. Ella me ayudó a terminar un corto que co-dirigí, "Meteoritos", que filmé acá pero lo edité en Barcelona. Cuando terminé de editar "Glue", le mostré la película a Isabel, le encantó, y me dijo que me podía ayudar en lo que sea y, básicamente, me ayudó a terminarla.
- ¿Tenés planeado tu próximo paso como director?
- Sí, voy a hacer una película que ya venía escribiendo de antes, que transcurre en Londres, donde yo vivo desde 1998. Esa iba a ser mi primera película, pero terminé haciendo "Glue" antes. Se llama "Unmade Beds" (Camas desechas), son tres historias sobre extranjeros que viven en Londres y creo que va a actuar Leonor Watling.
- © Cynthia M. García (Buenos Aires)-NOTICINE.com
El Rally Malayerba se va de vacaciones a Acapulco
19-IV-06
En su cuarta edición, el Rally Malayerba se realizará en la playa, como parte de las actividades del segundo Festival Internacional de Cine Acapulco (FICA). Utilizando el lema "nos vamos de vacaciones a disfrutar el sol, el mar y la arena", los organizadores se trasladan desde Guanajuato -donde hicieron los tres primeros concursos- al paradisíaco puerto guerrerense. El rally sigue con la mecánica de hacer un cortometraje en menos de 24 horas, aunque en esta ocasión el tema es libre. Los guiones deberán estar escritos entre 3 y 5 cuartillas, además de contar con 6 locaciones que impliquen desplazamiento, dos exteriores de noche y una en la playa. También son necesarias escenas donde se reconozca la ciudad y puerto de Acapulco. La convocatoria cierra el 12 de mayo. Los interesados pueden encontrar la ficha de inscripción, así como más detalles del evento en el sitio www.malayerba.com.mx.
El jurado que designará a los seis guiones finalistas está compuesto por José Luis García Agraz, Silvia Pastranac e Ignacio Ortiz. Mientras que al jurado que elegirá el trabajo ganador lo integran Jorge Fons, Cecilia Suárez y el crítico Luis Tovar. Los cortometrajes contarán con el apoyo de actores reconocidos como Tiare Scanda, Verónica Segura, Pamela Trueba, Liliana Fox, Rocío Verdejo, Yuridia del Valle, Miguel Rodarte, Raúl Méndez y Luis Reynoso.
Los ganadores se llevarán los siguientes premios: En la categoría Premio del Jurado obtendrán una cámara Sony HVR-ZIN, un kit de luces LOWEL, kit de luces FLUOTEC, tape to film a 35 mm. y la regrabación en la sala THX. Este corto se proyectará durante la clausura del segundo festival internacional de Cine en Acapulco. Para el "premio del público" hay una MAC GS con Final Cut Pro Studio. Y el Premio Malayerba (el corto que acabe primero cumpliendo todas las reglas) se adjudicará 3 días de préstamos de equipo cinematográfico en 16 mm. y película.
A la par del Rally Malayerba, Kodak lanzó la convocatoria para el Primer Concurso de Guión Kodak-FICA. Y ya se dio a conocer el ganador, seleccionado por el jurado compuestos por los cineastas Julio César estrada, Juana Antonio de la Riva, el crítico Gustavo Moheno y Arturo Castelán. Se trata de José Manuel Romero Salgado con el proyecto "La mirada del adiós", quien tendrá como premio la producción de mismo en 35mm., además de la asesoría de profesionales para hacerlo. El corto deberá ser producido unos días antes del festival en Acapulco y postproducido en el DF, cuyo resultado será exhibido durante la clausura del festival. Romero Salgado contará con la ayuda de Arturo de la Rosa ("Elisa antes del fin del mundo", "La otra conquista") en la fotografía y Oscar Figueroa ("El gavilán de la sierra", "El crimen del padre Amaro") en la edición.
Por otra parte, productores, así como egresados de escuelas cine y comunicación tendrán la oportunidad de asistir al seminario "El cine acá", donde se trasmitirán experiencias y vivencias sobre diferentes temáticas relacionadas a la producción. Para esta primera edición el tema será el de la preproducción. Este seminario se realizará del 1 al 3 de junio, de 9:00 a 15:00 horas. Se está contemplando que asistan alrededor de 100 personas interesadas en su desarrollo profesional, quienes deberán preinscribirse para poder asistir a este evento.
En su cuarta edición, el Rally Malayerba se realizará en la playa, como parte de las actividades del segundo Festival Internacional de Cine Acapulco (FICA). Utilizando el lema "nos vamos de vacaciones a disfrutar el sol, el mar y la arena", los organizadores se trasladan desde Guanajuato -donde hicieron los tres primeros concursos- al paradisíaco puerto guerrerense. El rally sigue con la mecánica de hacer un cortometraje en menos de 24 horas, aunque en esta ocasión el tema es libre. Los guiones deberán estar escritos entre 3 y 5 cuartillas, además de contar con 6 locaciones que impliquen desplazamiento, dos exteriores de noche y una en la playa. También son necesarias escenas donde se reconozca la ciudad y puerto de Acapulco. La convocatoria cierra el 12 de mayo. Los interesados pueden encontrar la ficha de inscripción, así como más detalles del evento en el sitio www.malayerba.com.mx.
El jurado que designará a los seis guiones finalistas está compuesto por José Luis García Agraz, Silvia Pastranac e Ignacio Ortiz. Mientras que al jurado que elegirá el trabajo ganador lo integran Jorge Fons, Cecilia Suárez y el crítico Luis Tovar. Los cortometrajes contarán con el apoyo de actores reconocidos como Tiare Scanda, Verónica Segura, Pamela Trueba, Liliana Fox, Rocío Verdejo, Yuridia del Valle, Miguel Rodarte, Raúl Méndez y Luis Reynoso.
Los ganadores se llevarán los siguientes premios: En la categoría Premio del Jurado obtendrán una cámara Sony HVR-ZIN, un kit de luces LOWEL, kit de luces FLUOTEC, tape to film a 35 mm. y la regrabación en la sala THX. Este corto se proyectará durante la clausura del segundo festival internacional de Cine en Acapulco. Para el "premio del público" hay una MAC GS con Final Cut Pro Studio. Y el Premio Malayerba (el corto que acabe primero cumpliendo todas las reglas) se adjudicará 3 días de préstamos de equipo cinematográfico en 16 mm. y película.
A la par del Rally Malayerba, Kodak lanzó la convocatoria para el Primer Concurso de Guión Kodak-FICA. Y ya se dio a conocer el ganador, seleccionado por el jurado compuestos por los cineastas Julio César estrada, Juana Antonio de la Riva, el crítico Gustavo Moheno y Arturo Castelán. Se trata de José Manuel Romero Salgado con el proyecto "La mirada del adiós", quien tendrá como premio la producción de mismo en 35mm., además de la asesoría de profesionales para hacerlo. El corto deberá ser producido unos días antes del festival en Acapulco y postproducido en el DF, cuyo resultado será exhibido durante la clausura del festival. Romero Salgado contará con la ayuda de Arturo de la Rosa ("Elisa antes del fin del mundo", "La otra conquista") en la fotografía y Oscar Figueroa ("El gavilán de la sierra", "El crimen del padre Amaro") en la edición.
Por otra parte, productores, así como egresados de escuelas cine y comunicación tendrán la oportunidad de asistir al seminario "El cine acá", donde se trasmitirán experiencias y vivencias sobre diferentes temáticas relacionadas a la producción. Para esta primera edición el tema será el de la preproducción. Este seminario se realizará del 1 al 3 de junio, de 9:00 a 15:00 horas. Se está contemplando que asistan alrededor de 100 personas interesadas en su desarrollo profesional, quienes deberán preinscribirse para poder asistir a este evento.
- © Víctor Uribe (México)-NOTICINE.com
Colaboración: ¡Bienvenidos a la Utopía!
19-IV-06
Por Humberto Solás (*)
Abrimos una nueva edición del Festival Internacional de Cine Pobre convencidos de su utilidad y capaces de sorprender. Si bien estamos satisfechos con las consecuencias que en gran medida el Festival ha propiciado, tales como el incremento de la producción audiovisual en Cuba y el gradual desmoronamiento de prejuicios e incomprensiones entre quienes consideraban la obra audiovisual solo como privilegio de una elite, hemos introducido modificaciones que redundan en una mayor versatilidad de premios tanto en metálico como en tecnología.
Y todo ello sustentado en la divulgación de obras que destacan una posición de no subordinación a las reglas del juego que caracterizó hasta ahora a esta profesión, o sea, a la pasiva recepción de los dictámenes de mercaderes o instituciones, emitidas verticalmente y sin espacio a la polémica. En cambio, alentamos la ejecución de un cine legítimo, actuante y movilizador, altamente estético y ético, humilde en su elaboración, ajeno a todo proyecto de elitismo cultural, propiciador, en cambio, de una interacción con las diversas comunidades. Promocionamos también un cine despojado del cosmopolitismo que nos condena al claudicante mimetismo de los centros culturales y económicos que aún pretenden regentear la espiritualidad en todo el planeta. Es por ello que alentamos el espacio innovador y no somos complacientes con el desaliento inspirado en el fatalismo geo-histórico-político.
Somos de los que creen inveteradamente en el futuro protagonismo de las comunidades, porque solo ellas paliarán la inevitable evolución globalizadora, con su irrefrenable madeja de políticas paternalistas y donde el actuar de las comunidades, como desalineada estructura realmente participativa, serán las que generen, aún precariamente, cierto equilibrio.
Si a la consolidación de los grupos de real identidad se une el deseo vivo y honesto de su extensión cultural, entonces sí podremos hablar de una épica de gnoseología colectiva que derrumbará, al menos parcialmente, los muros del planetario negocio de la distribución y le devolverá al cine y a las demás profesiones artísticas, su verdadero lugar y real compromiso.
Una elite artística deberá desaparecer, así como desaparecerá la injusticia en el marco general de la sociedad comunitaria en todos los órdenes y profesiones.
(*): El cineasta cubano Humberto Solás, autor de films como "Lucía", "Cecilia", "El siglo de las luces" o "Barrio Cuba", es presidente del Festival Internacional de Cine Pobre de Gibara (Holguín, Cuba).
Por Humberto Solás (*)
Abrimos una nueva edición del Festival Internacional de Cine Pobre convencidos de su utilidad y capaces de sorprender. Si bien estamos satisfechos con las consecuencias que en gran medida el Festival ha propiciado, tales como el incremento de la producción audiovisual en Cuba y el gradual desmoronamiento de prejuicios e incomprensiones entre quienes consideraban la obra audiovisual solo como privilegio de una elite, hemos introducido modificaciones que redundan en una mayor versatilidad de premios tanto en metálico como en tecnología.
Y todo ello sustentado en la divulgación de obras que destacan una posición de no subordinación a las reglas del juego que caracterizó hasta ahora a esta profesión, o sea, a la pasiva recepción de los dictámenes de mercaderes o instituciones, emitidas verticalmente y sin espacio a la polémica. En cambio, alentamos la ejecución de un cine legítimo, actuante y movilizador, altamente estético y ético, humilde en su elaboración, ajeno a todo proyecto de elitismo cultural, propiciador, en cambio, de una interacción con las diversas comunidades. Promocionamos también un cine despojado del cosmopolitismo que nos condena al claudicante mimetismo de los centros culturales y económicos que aún pretenden regentear la espiritualidad en todo el planeta. Es por ello que alentamos el espacio innovador y no somos complacientes con el desaliento inspirado en el fatalismo geo-histórico-político.
Somos de los que creen inveteradamente en el futuro protagonismo de las comunidades, porque solo ellas paliarán la inevitable evolución globalizadora, con su irrefrenable madeja de políticas paternalistas y donde el actuar de las comunidades, como desalineada estructura realmente participativa, serán las que generen, aún precariamente, cierto equilibrio.
Si a la consolidación de los grupos de real identidad se une el deseo vivo y honesto de su extensión cultural, entonces sí podremos hablar de una épica de gnoseología colectiva que derrumbará, al menos parcialmente, los muros del planetario negocio de la distribución y le devolverá al cine y a las demás profesiones artísticas, su verdadero lugar y real compromiso.
Una elite artística deberá desaparecer, así como desaparecerá la injusticia en el marco general de la sociedad comunitaria en todos los órdenes y profesiones.
(*): El cineasta cubano Humberto Solás, autor de films como "Lucía", "Cecilia", "El siglo de las luces" o "Barrio Cuba", es presidente del Festival Internacional de Cine Pobre de Gibara (Holguín, Cuba).
- © FICP-NOTICINE.com
En Buenos Aires, los más y los menos del cine independiente
18-IV-06
Tras su primera semana, el Bafici (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente), que se desarrolla en la capital argentina desde el día 11, ha permitido llegar no sólo a conclusiones puntuales sobre los muchos films exhibidos en cualesquiera de sus secciones, sino a algunas de carácter más general, que engloban esta importante manera de hacer que tanta fuerza cobra hoy en el mundo entero.
El hecho de que los cineastas que deciden asumir la gestión fílmica alejados de la tiranía de los estudios y los productores al uso, logren una libertad creadora y expresiva considerable, conlleva en sí mismo esa incuestionable virtud, pero que a la vez puede devenir defecto, o al menos, peligroso riesgo: el querer decir tanto, sin la presión de los cortes, el regodearse en un tempo ajeno a las prisas hollywoodenses, desemboca en algunos de los problemas que se detectan en muchas de las obras aquí presentadas.
Tomemos por caso tres de la competencia internacional: "Longing", de la alemana Valesa Grisebach (un triángulo amoroso en clave tragicómica), "Los estados nórdicos", del canadiense Denis Coté (un hombre que ha practicado la eutanasia a la madre encuentra la redención en un apartado paraje) o "Reflections", del surcoreano Yao Hung (otro trío, esta vez de gente más joven y con un punto lésbico): temas de interés, tratamientos incluso con rubros técnicos motivadores, historias que podrían haber resultado si los circunloquios de la cámara, los motivos superfluos, los estiramientos absolutamente prescindibles, no las hubieran lastrado, algunas de modo irremediable.
Aspiren o no los premios, lo más novedoso e interesante se está hallando en el documental, a veces con un empaque más o menos tradicional (es el caso de "Cero grados de separación", de Elle Flanders; el conflicto palestino-israelí visto a través de dos parejas gays, de ambos sexos, e integrada por sendas etnias, o "Meninas", de la brasileña Sandra Werneck, en torno a adolescentes embarazadas en las favelas cariocas); otras enriquecido por elementos ficticios ("El ojo salvaje", de los estadounidenses Madows, Meyers y Strick, en la cuerda dialógica y dialogada de "Hiroshina, mon amour") o hasta pulsando la tan de moda cuerda del "falso documental" (como la rusa "First on the Moon", de Alexei Ferdochencko, historia alternativa de las presencias soviética y yanqui en la carrera espacial, o una variante, especie de "seudo-remake" en la argentina "Porno", de Homero Cirelli: cómo se hizo un film de este tipo, y donde interesa más el contexto y los costados que la obra en sí).
A propósito de esta última, la nutrida competencia argentina sigue demostrando que los linderos des-narrativos, el snobismo y la poses seudointelectuales, pueden llevar las conquistas de este grupo a un despeñadero: una cinta tan bien recibida aquí como "Puto", de Pablo Oliveiro, sobre un par de chicos que protagonizan una relación aparentemente profunda, que desemboca en otra cosa, es un ejemplo de cómo puede arruinarse una propuesta interesante cuando el tratamiento es, como decimos en buen cubano, "más rollo que película".
Así andan las cosas por el Bafici, del que seguiremos hablando.
Tras su primera semana, el Bafici (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente), que se desarrolla en la capital argentina desde el día 11, ha permitido llegar no sólo a conclusiones puntuales sobre los muchos films exhibidos en cualesquiera de sus secciones, sino a algunas de carácter más general, que engloban esta importante manera de hacer que tanta fuerza cobra hoy en el mundo entero.
El hecho de que los cineastas que deciden asumir la gestión fílmica alejados de la tiranía de los estudios y los productores al uso, logren una libertad creadora y expresiva considerable, conlleva en sí mismo esa incuestionable virtud, pero que a la vez puede devenir defecto, o al menos, peligroso riesgo: el querer decir tanto, sin la presión de los cortes, el regodearse en un tempo ajeno a las prisas hollywoodenses, desemboca en algunos de los problemas que se detectan en muchas de las obras aquí presentadas.
Tomemos por caso tres de la competencia internacional: "Longing", de la alemana Valesa Grisebach (un triángulo amoroso en clave tragicómica), "Los estados nórdicos", del canadiense Denis Coté (un hombre que ha practicado la eutanasia a la madre encuentra la redención en un apartado paraje) o "Reflections", del surcoreano Yao Hung (otro trío, esta vez de gente más joven y con un punto lésbico): temas de interés, tratamientos incluso con rubros técnicos motivadores, historias que podrían haber resultado si los circunloquios de la cámara, los motivos superfluos, los estiramientos absolutamente prescindibles, no las hubieran lastrado, algunas de modo irremediable.
Aspiren o no los premios, lo más novedoso e interesante se está hallando en el documental, a veces con un empaque más o menos tradicional (es el caso de "Cero grados de separación", de Elle Flanders; el conflicto palestino-israelí visto a través de dos parejas gays, de ambos sexos, e integrada por sendas etnias, o "Meninas", de la brasileña Sandra Werneck, en torno a adolescentes embarazadas en las favelas cariocas); otras enriquecido por elementos ficticios ("El ojo salvaje", de los estadounidenses Madows, Meyers y Strick, en la cuerda dialógica y dialogada de "Hiroshina, mon amour") o hasta pulsando la tan de moda cuerda del "falso documental" (como la rusa "First on the Moon", de Alexei Ferdochencko, historia alternativa de las presencias soviética y yanqui en la carrera espacial, o una variante, especie de "seudo-remake" en la argentina "Porno", de Homero Cirelli: cómo se hizo un film de este tipo, y donde interesa más el contexto y los costados que la obra en sí).
A propósito de esta última, la nutrida competencia argentina sigue demostrando que los linderos des-narrativos, el snobismo y la poses seudointelectuales, pueden llevar las conquistas de este grupo a un despeñadero: una cinta tan bien recibida aquí como "Puto", de Pablo Oliveiro, sobre un par de chicos que protagonizan una relación aparentemente profunda, que desemboca en otra cosa, es un ejemplo de cómo puede arruinarse una propuesta interesante cuando el tratamiento es, como decimos en buen cubano, "más rollo que película".
Así andan las cosas por el Bafici, del que seguiremos hablando.
- © Frank Padrón (Buenos Aires)-NOTICINE.com